La Rioja
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“Nada se contiene a sí mismo”, fanzine de Arte Contemporáneo coordinado por Cristina Fernández Crespo.
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cristinafdzcrespo | 08-11-2015 | 18:39| 0

El sábado 7 de noviembre por la mañana se ha presentado el fanzine Nada se contiene a sí mismo que se enmarca dentro las actividades de la programación de ARTEFACTO 2015. Esta publicación que he coordinado propone un recorrido por prácticas artísticas contemporáneas que trabajan con los recursos de la ocultación y el camuflaje desde diferentes disciplinas y enfoques.

Cristina Fernández Crespo | Fotografía ARTEFACTO 2015

A menudo se recurre a la idea de que la función del arte es hacer visible lo invisible, pero no debemos olvidamos de que también puede recorrer el camino contrario. Por ello, tras un siglo de lúcidas relaciones entre el camuflaje y el arte contemporáneo, las estrategias de ocultación son un interesante lugar común en el que establecer relaciones entre artistas y reflexiones y situar al espectador.

Entre los contenidos seleccionados podemos encontrar textos e imágenes que sirven de excelentes ejemplos para mostrar la fuerza de este recurso, que establecen diálogos entre sí y que se ilustran mutuamente. De este modo podemos encontrar textos que tratan sobre trabajos específicos como es el caso del escrito Intimidad (2012) de Remedios Zafra que habla sobre la obra Intimidad Romero (2010-actualidad), de Jugar al Escondite (2015) de Marta Álvarez que trabaja sobre Fuera de Juego (2009) de Núria Güell o de Por un Prólogo Oculto (2015) de David Liquen que acompaña a la obra de Aitana Carrasco, pero también encontramos otra clase de textos más generales como el de La Ocultación es Redundante (Thelma Tess, 2015) o Penumbra (Cristina Fernández Crespo, 2015) que acompañan a los trabajos de las autoras Andrea Castro, Dara Scully, Irene Cruz, María Aparicio, Nishe y Susana Blasco.

La presentación de esta publicación tuvo lugar el 7 de noviembre junto con la los fanzines de Jorge Crespo y del proyecto enLATAmus en La Gota de Leche, Logroño.

Fotografía ARTEFACTO 2015

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Tertulia sobre “Libros de Arte”.
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cristinafdzcrespo | 31-10-2015 | 10:16| 0

El pasado viernes, 9 de octubre, comenzó la 35 Feria del Libro Antiguo y de Ocasión de Logroño. Esta edición estuvo dedicada al comic, al álbum ilustrado y a los libros de arte.

Cartel de Juan Fernández -Polak-.

Cartel de Juan Fernández -Polak-.

El mismo viernes, a las 20:00, participé junto a Marina Pascual, Andrea Arriet y Equipo Zarándula en una actividad dentro de la programación del Club de Lectura. Se trató de una Tertulia de Libros de Arte donde presentamos algunos ejemplares que nos resultan interesantes desde diferentes perspectivas: la pedagógica, la teórica, la estética, el libro de arte como objeto artístico, los nuevos formatos, etc.

Esta actividad, diseñada por a Asociación Casa de las Musas, se celebró en la carpa de actividades instalada en El Espolón.

Yo hablé del libro “Arte desde 1900“, un manual de cabecera para todo amante o profesional del Arte Contemporáneo publicado en 2004 en Reino Unido y en 2006 en España (por Akal). Sus autores son Hal Foster , Rosalind E. Krauss, Yve-Alain Bois y Benjamin H. D. Buchloh, grandes nombre en la teoría del arte norteamericana que surgieron en el círculo intelectual de la revista October fundada en 1976, precisamente, por Krauss.

Rosalind E. Krauss era una pluma habitual a principios de los años setenta en revistas como Artforum de las que a partir del 75 decidió separarse y fundar un nuevo medio, October, que se alejara del enfoque formalista de Greenberg que con el que se trabajaba el texto de arte de manera mayoritaria para acercar a la crítica norteamericana enfoques europeos como los del post-estructuralismo que eran capaces de permitir un análisis más adecuado a las características del arte conceptual y los nuevos medio expresivos. Entre los autores que inspiran a los colaboradores de esta revista están Jacques Derrida, Michel Foucault, Gilles Deleuze, Judith Butler, Jacques Lacan, Jean Baudrillard o Julia Kristeva, todos ellos imprescindibles para entender el arte de hoy.

Los otros tres autores, Foster, Bois y Buchloh, tienen una relación muy cercana a Krauss puesto que además de colaborar habitualmente con su proyecto algunos de ellos fueron sus alumnos. Como la propia autora dice cada uno de ellos representa en este libro, de un modo más o menos general, cuatro trayectorias teóricas del arte: La visión socio-histórica y post-marxista la trabaja especialmente bien Buchloh, la teoría del psicoanálisis Foster, el formalismo y el estructuralismo Bois y el post-estructuralismo Krauss.

El libro presenta una estructura cronológica entre 1900 y 2003, conformada por capítulos año por año (aunque algunos años no son tratados y otros tienen dos o tres artículos). Cada capítulo se centra en un acontecimiento crucial (la creación de una obra, una publicación, una exposición, etc.). Se exploran en profundidad todos los puntos de inflexión y los avances clave de la modernidad y la posmodernidad, sin olvidar las frecuentes reacciones modernas que proponían visiones alternativas del arte y del mundo.

Cada uno de los autores presenta una introducción en la que se ocupa de la metodologías en boga -antes citadas- en la Historia del Arte y se incluyen dos interesantes capítulos, en formato “mesa redonda”, donde los cuatro conversan a modo de resumen de lo anterior tratado.

La estructura es flexible y cuenta con numerosas referencias cruzadas que permiten que el lector trace su propio camino a través del siglo y siga cualquiera de las narraciones que se despliegan en el libro, ya sea la historia de un medio, el desarrollo de la práctica artística en un país determinado o de conceptos y movimientos.

Cuenta con interesantes recursos como recuadros de información sobre acontecimientos, lugares o personajes clave, así como un glosario y una amplísima bibliografía que permiten al estudioso continuar buscando conocimientos más allá del libro.

Por separado estos autores también cuentan con interesantes títulos como “El Retorno de lo Real” (2001) o “Diseño y Delito” (2004) de Hal Foster, los estudios monográficos del artista Gerhard Richter realizados por Benjamin H. D. Buchloh o “Los papeles de Picasso” (1999), “El Paisaje en la Esultura Moderna” (2002) o “Lo Fotográfico” (1990) de Rosalind Krauss.

Aquí dejo algunas fotos de la jornada donde también se presentaron catálogos en formato libro de artista, libros de arte para niños y para adultos que quieren acercarse a este mundo.

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“Las Ciudades Invisibles”, Casa de las Musas en Artefacto de Verano 2015.
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cristinafdzcrespo | 07-07-2015 | 14:25| 0

“La ciudad no cuenta su pasado, lo contiene como las líneas de una mano, escrito en las esquinas de las calles, en las rejas de las ventanas, en los pasamanos de las escaleras, en las antenas de los pararrayos, en las astas de las banderas, cada segmento surcado a su vez por arañazos, muescas, incisiones, comas.”

(Le Città Invisibili, Italo Calvino)

ARTEFACTO es el Festival de Cultura Joven de Logroño que este año, como novedad, celebra su 1ª Edición de Verano con el lema “ME GUSTA LO QUE HAGO. HAGO LO QUE ME GUSTA”.

Dentro de su programación la asociación Casa de las Musas ha presentado una intalación producida por La Vecina.

Casa de las Musas es una asociación que nace como una plataforma de apoyos, actividades e iniciativas cuyo fin último es la consecución y puesta en marcha de un centro de creación para La Rioja. Desde este marco, y desde los orígenes de la asociación en 2013, se vienen realizando múltiples propuestas para dar a conocer el proyecto y para lograr sus objetivos, habiendo contado con la participación y colaboración de 400 socios, además de figuras clave en las artes riojanas y algunos representantes de centros y fábricas de creación nacionales de primer nivel.

Para esta ocasión La Vecina ha trabajado en una instalación en el espacio público formada por estructuras que representan formas arquetípicas de casas. Estructuras vacias que conforman una intervención que se inspira en la obra «Las Ciudades Invisibles», de Italo Calvino, concretamente en la cita con la que comienza este post.

Mercedes González de Garay, la vicepresidenta de Casa de las Musas y parte del equipo de La Vecina (junto con Juan Manuel Vegas), ha explicado a Diario ABC que esta instalación se concibe como «un escaparate para enseñar a los riojanos que existen artistas en su ciudad y qué mejor manera que hacerlo en un sitio público».

La instalación incluye perfiles de casas que representan un recorrido a lo largo de todo el callejón para «intentar mirar al futuro de las ciudades tras entender su pasado», ha añadido.

«La Rioja debe de aparecer en el mapa artístico nacional, buscar un turismo de calidad a través del arte y no solo el vino», ha indicado, y para ello, «es necesario que el Gobierno impulse Casa de Las Musas, no solo de cara a las facilidades para trabajar de los artistas, sino también para que los propios riojanos puedan observar el proceso creativo más de cerca».

Esta propuesta puede visitarse hasta el próximo sábado 11 de julio junto al Parlamento de La Rioja.

La Junta Directiva de Casa de las Muas en la presentación de la instalación.

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Esther Ferrer hizo un camino en Logroño
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cristinafdzcrespo | 31-03-2015 | 11:31| 0

El pasado sábado 28 la ciudad de Logroño vivió la maravillosa oportunidad de disfrutar en sus calles del trabajo de la artista más influyente del arte español: Esther Ferrer.

La programación de Mujeres en el Arte en La Rioja guardaba para el final esta actividad, una de las actividades más especiales y más esperadas, la conocida performance de Esther FerrerSe hace el camino al andar”.

FOTO DÍAZ URIEL

Esther Ferrer y otros tres intérpretes realizaron esta acción partiendo desde un mismo punto a las 12:30, el puente de piedra de la ciudad de Logroño, y trazando, cada uno, diferentes caminos por las calles del casco antiguo hasta encontrarse en la calle Portales a la altura del Museo de La Rioja.

Los cuatro caminos fueron:

-Puente de piedra, calle Ruavieja, calle Barriocepo, calle Once de Junio, calle Portales, encuentro.

-Puente de piedra, calle Marqués de San Nicolás, calle la Merced, calle Portales, encuentro.

-Puente de piedra, calle Puente, calle Herrerías, plaza del Mercado, calle Carnicerías, calle Portales, encuentro.

-Puente de piedra, calle Puente, calle San Bartolomé, calle Caballerías, calle Juan Lobo, calle Portales, encuentro.

La actividad duró aproximadamente 1 hora y 15 minutos y cada performer anduvo cerca de un kilómetro.

Esta pieza, como su propio título indica, está inspirada en el famoso poema de Antonio Machado “Caminante no hay camino” (“Campos de Castilla”, 1912). Para esta ocasión la performance tuvo un significado feminista reivindicando una mayor visibilidad de mujeres artistas y otras agentes del arte en los espacios expositivos de la ciudad, algunos de ellos ubicados en entornos inmediatos al recorrido.

FOTO DÍAZ URIEL

Para esta iniciativa contar con la presencia de artistas tan reconocidas como Esther Ferrer (Premio Nacional de Artes Plásticas, Premio Velázquez de Artes Plásticas y recientemente nombrada como la mujer más influyente del arte español) involucrándose en la causa igualitaria y trabajando sobre concienciación de la problemática de la desigualdad de género en el mundo del arte es la mejor de las maneras posibles de cerrar una programación de esta índole.

FOTO DÍAZ URIEL

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ART FACES, la nueva exposición del Museo Würth La Rioja
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cristinafdzcrespo | 19-03-2015 | 12:52| 0

Mañana se inaugura una nueva exposición en el Museo Würth La Rioja. En esta ocasión, y hasta el 13 de septiembre, podremos disfrutar de los protagonistas del arte del siglo pasado a través de esta muestra titulada ART FACES que precisamente nos invita a hacer un recorrido por los rostros más significativos de la Historia del Arte del siglo XX.

168 fotografías de 39 fotógrafos dialogan con 30 obras originales realizadas por grandes nombres como Picasso, Miró, Chillida o Warhol. A través de estas relaciones estas piezas nos permiten realizar un recorrido por las corrientes artísticas principales del siglo XX y conoccer el desarrollo de las Vanguardias Clásicas gracias a las obras de André Derain, Otto Dix, Pablo Picasso, Joan Miró o Max Ernst; también del Existencialismo que se trasladó plásticamente al Informalismo y el Expresionismo abstracto con obras de Karel Appel, Sam Francis y Eduardo Chillida. La muestra también reconoce la importancia del estallido del Pop y el Nuevo Realismo con obras de Christo, Eduardo Arroyo, Alex Katz y Andy Warhol y del Neoexpresionismo y todas sus ramificaciones con obras de Jean Michel Basquiat, Keith Haring y Stephan Balkenhol; y, finalmente, las corrientes más contemporáneas capitaneadas por el Arte Conceptual enmarcarán una pequeña obra de la artista Louise Bourgeois.

Todas estas obras estarán acompañadas, como ya hemos apuntado, de fotografías de los artistas que hicieron posible estas reflexiones sobre la estética y función de las artes plásticas. Además podremos conocer los escenarios donde se llevaron a cabo estas transformaciones gracias a las imágenes de los estudios de Le Corbusier, Matisse, Amiet o Braque, y vincular las obras creadas con la personalidad de artistas como Piet Mondrian, Robert Rauchenberg o Richard Serra.

En total 168 fotografías y 30 obras de arte originales que nos permitirán acercarnos a la Historia del Arte del siglo XX y, sobre todo, a las personas que la hicieron posible.

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“Post Memories” de Marta Corada en el Festival EME.
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cristinafdzcrespo | 10-03-2015 | 00:42| 0

De igual modo que en La Rioja estamos disfrutando de la fantástica iniciativa ‘Mujeres en el Arte’ también otras comunidades han apostado por proyectos similares como es el ‘Festival eme’ en Cantabria.

El ‘Festival eme’ cuenta con la participación de un total de 21 artistas, 18 de ellas cántabras y sigue el lema ‘El futuro es mujer’. Así, bajo este epígrafe, se invita a las creadoras a imaginar la posibilidad de un futuro más justo e igualitario, prestando especial atención a la obra de las artistas más jóvenes, entre 25 y 36 años.

La Rioja también está presente en esta iniciativa cántabra; el día 5 se inauguró la exposición “Post Memories”, con fotografías de la riojana Marta Corada, que ha sido comisariada por Susana Baldor, directora de Mujeres en el Arte en La Rioja.

Esta actividad está incluida en la sección del festival “Producción propia” cuyos contenidos constituyen la oferta central del ‘Festival eme’ y cuentan con el apoyo del Gobierno de Cantabria.

La exposición podrá visitarse hasta el 25 de abril en la Sala Bretón de Astillero y cuenta con trabajos realizados por Corada entre el 2012 y 2014. La muestra está compuesta por dos series fotografías que forman parte del proyecto ‘Post Memories’ tomadas en Shanghai y Reino Unido, así como dos piezas producidas en España.

Foto Marta Corada

La particularidad de la obra fotográfica de Marta Corada es que busca lo extraordinario en lo cotidiano. Se abastece de situaciones corrientes, no busca escenarios inusuales sino que trabaja con el lugar común. Sus composiciones juegan con el tiempo, atrapándolo en un instante. Captura con su cámara, desde un mismo encuadre, multitud de instantáneas, durante largas sesiones, que después presenta como si hubiesen sido obtenidas con un único disparo.

Las posturas y actitudes en las que son retratados los personajes nos llevan a reflexionar sobre los papeles que las personas interpretamos en los espacios que habitamos. Así lo explica el texto de la exposición, escrito por la comisaria: “Cualquiera de las escenas podemos asumirla como propia, muchas las hemos vivido en primera persona y es que ejemplifican los ‘ritos contemporáneos’; ceremonias que repetimos invariablemente en cada comunidad y que responden a la necesidad de reforzar nuestras creencias. Estas acciones cotidianas se nos muestran al observarlas, tal y como nos permite el trabajo de Marta Corada, como rituales simbólicos y en ellos lo que creíamos costumbres se nos revela como ‘mitología’ de nuestra propia cultura”.

Foto Marta Corada

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“El Fragmento Callado”, de Anita Veracruz, inicia el festival Mujeres en el Arte en La Rioja.
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cristinafdzcrespo | 05-03-2015 | 15:10| 0

Ayer por la mañana se presentó en la sala de prensa del Gobierno de La Rioja la iniciativa “Mujeres en el Arte en La Rioja“. José Luis Pérez Pastor, Pilar Montes y Susana Baldor presentaron la programación un festival surgido del éxito de la pasada edición de Miradas de Mujeres, festival nacional de carácter bianual en el que La Rioja participó por vez primera el año pasado.

También esta iniciativa es consecuencia de la necesidad de seguir reivindicando el papel de la mujer en el arte, de seguir haciendo visibles las prácticas artísticas realizadas por mujeres así como la labor de gestoras, comisarias, críticas o docentres, entre otras. Es una apuesta fundamental puesto que las estadísticas siguen revelando una clara desigualdad en cuanto a número de artistas en colecciones de arte, en programaciones en espacios expositivos o en puestos de responsabilidad en museos, empresas e instituciones culturales.

De nuevo podemos presumir de tener una programación magnífica que cuenta con grandes nombres de mujeres artistas e investigadoras como son Esther Ferrer (Premio Nacional de Artes Plásticas, Premio Velázquez de Artes Plásticas y mujer más influyente del arte español) o María Ruido (artista visual y docente en el Departamento de Imagen de la UB) además de otros muchos nombres de la tierra. Como reconocimiento a su trayectoria en el arte Maria Victoria Sotés será homeajeada con el Premio Mujeres en el Arte en La Rioja 2015.

Dentro de las apuestas directas de la Dirección General de Cultura del Gobierno de La Rioja se enmarca la exposición “El Fragmento Callado“. Con esta actividad se trata de visibilizar y de dar oportunidades de proyectarse a los nuevos valores del arte contemporáneo en La Rioja. En este caso dos somos sus protagonistas: Anita Veracruz como artista y Cristina Fernández Crespo, yo misma, como comisaria.

La exposición reúne más de una veintena de piezas de la joven artista Anita Veracruz (1990). Está compuesta por más de 20 piezas de múltiples disciplinas: esculturas, fotografías y grabados, formando todas ellas un conjunto unitario a modo de instalación. La artista trabaja con materiales reciclados y sus obras tratan siempre sobre las existencias sencillas, es decir, aquellas cosas anónimas, solitarias y silenciosas que ocupan un lugar discreto en el mundo. La artista rescata esos fragmentos olvidados, a veces considerados como ruina o deshecho, y les da la oportunidad de ser (ad)mirados como obras de arte. Además, El Fragmento Callado, es una muestra compuesta de elementos conectados, donde todas las piezas dialogan y forman un sistema de relaciones, entre ellas y con el espectador, dando lugar a un espacio pensado para las nuevas oportunidades de ver, de ser visto y, por tanto, de existir.

Esta actividad se desarrollará entre el 4 y el 21 de marzo en la sala de exposiciones del COAR (Colegio Oficial de Arquitectos de La Rioja), organismo colaborador con el evento, ¡no te la pierdas!

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Artistas riojanos en JÄÄLPHOTO 2015
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cristinafdzcrespo | 23-02-2015 | 14:55| 0

La apertura de la Gran Semana del Arte en España (donde se dan cita importantes ferias como ARCO o ArtMadrid) tuvo lugar entre el 19 y el 21 de febrero con la celebración de la tercera edición de JÄÄLPHOTO 2015. Jääl es una feria independiente de fotografía que se ubica en el hotel Mayerling Madrid convirtiendo cada una de las habitaciones en espacios expositivos donde las galerías y proyectos participantes exponen sus propuestas.

En la habitación 205 pudimos encontrar durante esos días la cuidada propuesta de Veo Arte en todas pArtes representando a tres fotógrafos riojanos, comisariada por Chechu Ciarreta, construida en torno a la idea de ausencia. Los artistas fueron: Rafael Lafuente, Daniel Pozo y, el propio comisario, Chechu Ciarreta.

En primer lugar vimos la interesantísima serie “El Patio” (2014) de Rafael Lafuente quien trabaja la idea de la ausencia vinculada a la realidad desde una doble óptica. Por un lado sus fotografías nos muestran escenarios urbanos, vacíos, ante los que rápidamente percibimos una sensación de irrealidad y de extrañeza propia de los sueños, ya que se tratan de maquetas realizadas por él mismo que a posteriori fotografía. Pero no todo queda ahí porque, además, esos escenarios quieren representar lugares de su pasado construidos desde la memoria, al modo que aparecen en sus propios recuerdos.

En este trabajo hay un sugestivo tratamiento de la ausencia de la realidad vivida y de lo empírico, ya que toda la escenografía (ya “falsa” como tal respecto a la realidad de uso) puede ser un reflejo deforme construido por la memoria y no representar a un referente real y exterior.

Daniel Pozo también muestra la ausencia relacionada con lo urbano, en este caso con la ciudad (Toledo) deshabitada. El boom inmobiliario propició que las ciudades se extendieran en el espacio con enormes barriadas desiertas y aún, a día de hoy, escasamente ocupadas. Por tanto la serie “Me gusta tu casa” (2012) muestra hileras de casas idénticas, sin personalidad, sin presencia ninguna.

Por último vimos cómo Chechu Ciarreta trata el tema desde una perspectiva diferente en su serie “Mo(ve)ment” (2013-2013). El fotógrafo nos habla de la ausencia no como la falta de presencia física sino como un “sentido”: el de sentirse ausente, fuera de sí, en la catarsis musical o de la danza, abandonándose a sí mismo. De ahí que trata de captar un movimiento frenético que hace que el danzante olvide su individualidad para dejarse llevar por el éxtasis. Este sentimiento también embriaga al fotógrafo durante los espectáculos de danza dejándose llevar por la música a la hora de captar las imágenes.

Absence et sens. Ausencia y sentido –Ver, Mirar, Observar, Contemplar-“ trabajó, como vemos, con las diferentes capas o profundidades que el espectador puede recorrer partiendo desde el simple percibir hasta llegar a descubrir sentidos y significados complejos en una misma imagen. Esta propuesta nos permitió realizar este recorrido gracias a la obra de tres artistas riojanos que trabajan diferentes aspectos sobre un mismo hecho y, por tanto, nos dio la oportunidad de comprender de una forma más abierta y completa las posibilidades expresivas de conceptos como “ausencia” y “sentido”.

En otra de las habitaciones, la 501, dentro de la proupesta de Swinton & Grant pudimos disfrutar de algunos trabajos de Mariví Ibarrola, una fotoperiodista (nacida en Nájera en 1956, que creció en San Sebastián y que actualmente vive en Madrid) que retrató con su cámara Nikkormat una etapa clave de la cultura musical y artística española durante los años 80. Ha publicado en distintos periódicos, revistas y fanzines de la época (Rock Espezial, Ruta 66, Muskaria, Rockdelux …) y su archivo fotográfico narra toda una generación de personajes y ambientes que marcaron un hito en el siglo pasado. De ese gran archivo surgió el libro “Yo disparé en los ochenta” que también estaba disponible en este espacio.

 

Si quieres estar al tanto de las propuestas más interesantes que se vieron en la feria jäälphoto, u otras como ARCO, ArtMadrid o JustMad, estate atento durante estos días a http://kippel.es

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Angela Glajcar y la escultura cambiante.
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cristinafdzcrespo | 06-02-2015 | 11:22| 0

Angela Glajcar es una artista alemana que trabaja el plástico y el papel y crea formas escultóricas que juegan con el espacio existente entre el material y el vacío. Perfora conjuntos de láminas de papel creando una fuerte presencia escultórica que flota libremente en el espacio o se apoya sobre el plano. La yuxtaposición de levedad y peso, luces y sombras, materia y vacío son constantes presentes en estas cambiantes piezas que varían según el punto de vista de quien las observa.

Esta delicada manera de concebir sus piezas es continua en toda su trayectoria, desde sus primeras piezas creadas a parir de 2005 realizadas con plástico que simula ser grandes piezas de papel. A partir de Terforation (2008) interviene directamente en extensiones de papel blanco creando piezas cúbicas, rasgando los bordes y suspendiendo los trozos en el espacio, generando una sensación cavernosa, de profundidad y quietud. En The Light Within (2011), instalación realizada en el interior de una iglesia con fibra de vidrio, consigue una forma de cúpula donde la luz incide sobre el material de diferente modo a lo largo del día, cambiando la percepción de la propia obra y del espacio donde está situada.

Variar la pieza y su entorno mediante los efectos que producen las luces y las sombras en el medio en el que están inscritas, y con ellas los colores y la percepción visual del espectador, es para Glajcar un pilar básico en su producción, creando fragmentos de experiencia tan maleables como el propio papel.

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El obstáculo invisible.
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cristinafdzcrespo | 30-01-2015 | 11:09| 0

Es curioso cómo obras de arte separadas en el tiempo y/o en el espacio son capaces de llevarnos a lugares comunes de experiencia y de reflexión. Esta es una de las muchas cuestiones que hacen del arte algo tan seductor. Esto suele darse en relación a temáticas, procesos, contextos y recursos estéticos comunes, pero también a lo que se llaman referentes o “inspiración”. En esta ocasión os quiero presentar tres obras íntimamente conectadas realizadas por tres artistas, a priori, alejadas: Ana Mendieta, Pipilotti Rist y Priscila Monge.

Vamos a comenzar por la más lejana en el tiempo: Glass on Body de A. Mendieta, realizada en 1972. Se trata de una performance registrada mediante fotografías. El cuerpo desnudo de la artista se presiona y se estruja contra una plancha de cristal, distorsionando y deformando la carne y sus rasgos faciales. Mendieta juega con la maleabilidad de la carne para utilizar su cuerpo como material escultórico. Para lograrlo usa como herramienta un elemento transparente e inapreciable pero fuerte, el cristal, como simil del sistema ideológico patriarcal que ampara diferentes tipos de violencia hacia la mujer.

28 años después otras dos mujeres crearon dos nuevas piezas con ese mismo recurso: el obstáculo invisible, de cristal. Ellas fueron Pipilotti Rist con Open My Glade y Priscila Monge con Morir de Amor. Ambas abandonan el cuerpo para centrarse únicamente en un rostro que se deforma y que acaba ensuciando ese cristal con el maquillaje que se desprende de sus caras con la fricción.

Sobre Open My Glade, obra que fue reproducida cada hora dieciséis veces por día, del 6 de Abril al 20 de Mayo del año 2000 en la pantalla de Parasonic en la Times Square de Nueva York, Pipilotti Rist dijo “Veo Times Square como si fuera un enorme espacio lleno de flores eléctricas y brillantes que golpean a los visitantes como una bofetada. Puedo usar la energía de este “golpe” para hacer funcionar mi video. Los espectadores verán a una mujer aplastando su cara contra la pantalla como si quisiera salir y bajar a la plaza. Una cara que aparece muy deformada. Desearán liberarla, y con ella todos los fantasmas de las pantallas de los alrededores” (OBRIST, 2001: 26). Con esto Rist hace una clara referencia a la imagen estereotipada, falsa e irreal de la mujer que hace la publicidad. Un tipo de publicidad no representativa que también resulta ser un tipo de violencia silenciado e “invisible” hacia la mujer.

Morir de amor es un trabajo que sigue ligado a un proceso similar pero que se concentra en los estereotipos de la seducción o el amor. Una mujer besa, lame y restriega su rostro contra el cristal que termina ensuciado con carmín y saliva. Esta pieza pudo verse dentro de la exposición FEMINIS-ARTE II, el año pasado en CentroCentro en Madrid. La cominsaria, Margarita Aizpuru, la incluyó en el conjunto “Amore mío” tratándola desde la perspectiva de las identidades asignadas en relaciones íntimas y el binomio amor-sexo.

Todas estas obras, además, parecen remitir en cierto modo al concepto “techo de cristal”. Se denomina así a una superficie superior invisible en la carrera laboral de las mujeres, difícil de traspasar, que nos impide seguir avanzando. Su carácter de invisibilidad viene dado por el hecho de que no existen leyes ni dispositivos sociales establecidos ni códigos visibles que impongan a las mujeres semejante limitación, sino que está construido sobre la base de otros rasgos que por su invisibilidad son difíciles de detectar. Así, del mismo modo, ese “límite de cristal” al que recurren estas artistas viene a dar luz sobre otras situaciones de discriminación basadas sobre unas “normas” sociales indetectables, pero cuyo resultado es cuantificable, y real.

REFERENCIAS:
DZIEDZIC, E: Ana Mendieta: Earth Body, Sculpture and Performance 1972-85 (link).
ORBIST, H.U. (2001): “I Rist, you Rist, she Rists, he Rists, we Rist, you Rist, they Rist, tourist: Hans Ulrich Obrist in conversation with Pipilotti Rist”, en VV.AA: Pipilotti Rist, Phaidon Press.
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Sobre el autor cristinafdzcrespo
Filósofa experta en Arte Contemporáneo. Todoterreno del arte actual: trabajo en divulgación de prácticas artísticas contemporáneas desde el entorno blogger y también para museos e instituciones. Publico en revistas nacionales sobre estos temas pasando también por la gestión cultural y la organización de exposiciones. [+info] http://kippel.es