Martín Casariego (Madrid, 1962) es el ganador del II Premio de Novela ‘Ciudad de Logroño’ con la obra La jauría y la niebla, que editará Algaida en 2009. Licenciado en Historia del Arte, es autor de novelas como Qué te voy a contar (Premio Tigre Juan), La hija del coronel (Premio Ateneo de Sevilla), La primavera corta, el largo invierno y Nieve al sol. Además, también ha publicado cuentos infantiles y novelas juveniles como Por el camino de Ulectra (Premio Anaya). En 2003, el suplemento Imagina de diario La Rioja publicó en serie la adaptación al cómic de su relato ‘Dos veces Miranda’.

-¿Esperaba ganar el premio?

-Cuando te presentas a un premio siempre esperas ganar. Me he quedado contentísimo porque es un premio que tiene una parte promocional muy importante. Ahora se publica mucho y gran medida los libros pasan desapercibios, merecidamente o no.

-Además, ser reconocido por compañeros como los del jurado será un doble honor...

-Si los miembros del jurado son conocidos, bien, pero si no también. Que sea Ana María Matute la presidenta del jurado sí ha sido una satisfacción para mí.

-¿De qué trata la novela La jauría y la niebla?

-Es una historia que transcurre en un solo día, un día actual, en el que se ven reflejadas las tres edades del hombre en capítulos alternos. La pérdida de la inocencia de un niño, la dificultad de vivir de un adolescente que sufre acoso escolar y el sufrimiento de un anciano que se debe esforzar por volver a encontrar sentido a la vida. Todo el trasfondo, además, transcurre en un pueblo de País Vasco.

-¿Por algún motivo especial en el País Vasco?

-Principalmente, la novela se articula por la historia del adolescente que sufre el acoso. Eso podría ocurrir en cualquier época o lugar, se entendería igual en París que en Toledo pero, en la actualidad, me pareció interesante que la historia transcurriera en el País Vasco porque es un lugar donde, según cómo pienses, hablas o no con libertad; parte de su sociedad vive acosada.

-Su trayectoria literaria cuenta con varias líneas: novela romántica, policíaca... ¿En cuál cree que entronca más La jauría y la niebla?

-Dentro de lo que yo he escrito es algo que entronca con todo pero también es una obra novedosa porque nunca he escrito algo tan dramático como esto. Siempre que se escribe se habla de asuntos primordiales del hombre, lo único que cambia es el vehículo para hablar de la dificultad de encontrar sentido a la vida, del sufrimiento obtenido de modo gratuito e inmerecido.

-Además, usted ha escrito cuentos infantiles y novelas juveniles. ¿La jauría y la niebla acoge a todos esos personajes?

-Es una novela que sí tiene esa dificultad: tratar la vida en momentos diferentes. El escritor debe plantearse retos, dar pasos hacia delante, pero las tres edades del hombre (el cambio de la vida según cómo transcurre el tiempo) es un tema muy clásico.

Cine y ciencia-ficción

-Su anterior obra, la novela juvenil Por el camino de Ulectra, es una obra de ciencia-ficción, la primera de su repertorio. ¿Le picó la curiosidad por este género?

-Aunque nunca lo había tocado como escritor, sí lo había hecho como lector. Eso sí, las novelas de ciencia-ficción que he leído siempre han sido más serias que la mía, en que, a pesar de que hablo sobre la importancia de leer y la suerte de tener libros que leer, lo he hecho de un modo ligero y con humor.

-¿Cómo le empujan las historias a escribir para cada uno de esos grupos de lectores?

-Lo primero que tiene que ocurrir es que se me ocurra una historia con un personaje que me guste, luego el enfoque, que no tiene que ver con la edad, como sucede en esta nueva novela. Entonces ya imagino lo que escribo, porque la literatura es un todo a pesar de que la podamos dividir tanto como queramos. No considero que haya un género menos importante que otro.

-Junto a sus hermanos Antón y Nicolás, también escritores, ha trabajado en guiones cinematográficos. ¿Tienen alguno a la vista?

-Hay uno original que ya hemos escrito, pero no está vendido. Veremos en el futuro.

-Algunas de sus novelas también han pasado a la gran pantalla, pero siempre
con guión propio. ¿No confía sus obras a manos ajenas?

-No es eso, en las dos ocasiones que he tenido me apeteció formar parte del proyecto. Después nunca sabes si otro lo hubiera hecho mejor, pero sólo es interés.

-Últimamente se ha sabido de los Casariego por el uso que Bunbury ha hecho de versos de su hermano, el poeta Pedro Casariego, en su último disco. ¿Plagio u homenaje?

-Creo que Bunbury se ha equivocado, para quedar muy bien con todos hubiera bastado citar a Pedro en el disco, como han hecho otros antes. Y ha tenido tiempo de sobra para hacerlo porque la polémica saltó antes de que el disco fuera editado. No le tengo aversión, pero lo ha hecho mal y se ha empecinado en mantener su posición, incluso invitándonos a llevarle a juicio. Lo único que se le ha achacado es no reconocer que los versos son de Pedro Casariego por propia iniciativa. Además, creo que ha hablado sin estar asesorado porque si hubiera un juicio tendría las de perder, aunque los familiares no queremos meternos en líos.

El escritor logroñés afincado en Brasil Óscar Calavia presentó a los medios su novela La única margen del río, que obtuvo una mención especial en el I Premio Logroño de Novela. Aunque la presentación pública será el viernes 10 de octubre en el Espacio Fundación Caja Rioja-Santos Ochoa (un día después del fallo de la segunda edición del premio), el jueves 2 ofreció una rueda de prensa junto al alcalde y al coordinador del certamen, Javier Alonso.

Tomás Santos describió la publicación como «un nuevo y muy interesante libro cuya compra espero que sea multitudinaria» y también tuvo palabras para el autor:«un descubrimiento interesante y francamente positivo». No obstante, Calavia vive desde 1986 en Santa Catalina, en cuya universidad es profesor de Antropología, y en el último año también ha publicado la novela Las botellas del señor Klein y su tesis doctoral sobre los indios Yaminawa.

Por su parte, Óscar Calavia expresó su alegría «por ver al fin el libro publicado, pues ha estado en duda durante este año». En sus propias palabras, La única margen del río es una «novela río» y en sus páginas confluyen muchos temas, pero tres principales: la Amazonia, la crisis económica originada por el pinchazo del boom del caucho y la vida de un personaje (Ismael), con su crecimiento y perversión en la selva. «La novela está escrita con un estilo intencionalmente antiguo, con muchos personajes. También es una novela histórica», describió Calavia, que recordó el halago de que Jorge Edwards la comparase en su día con El corazón de las tinieblas de Joseph Conrad.

Una de las mejores cualidades de la obra poética de Sonia San Román es la evolución literaria, fiel reflejo de la madurez vital. Si en los primeros poemas reunidos en De tripas, corazón se leían unos versos viscerales, de orgullosa desazón y ufanas declaraciones, Punto de fuga (Eclipsados, Zaragoza, 2008) es un giro a su trayectoria, quizá un experimento literario. San Román ha publicado sus poemas con motivo de viaje en este libro de forma que completa una interesante guía de viajes en clave poética. Además, y para redondear la jugada, el libro se acompaña con ilustraciones de la propia autora.

Los destinos son, en su mayoría, por la vieja Europa (París, Roma, Praga, Bruselas, Londres, Lisboa...), aunque también tienen cabida puntos más exóticos. El ejercicio es claro: trasmitir en cada lugar, en cada cultura y geografía, la impresión y situación personal. Ya sea en una pensión o en un hotel, en avión o en tren, comiendo o bebiendo, haciendo turismo o descansando, Sonia San Román se mimetiza con el paisaje, se autoexamina con las calles, con los monumentos, con los mares y los ríos. Punto de fuga es un atlas poético que nos descubre los rincones más lúcidos de la autora, con la que viajamos a la Piazza Navona, a La India o a la República Dominicana, donde ella quiera. Nos acercamos a sus poemas para conseguir alejarnos.

Con las sucesivas lecturas, además, el lector (o el viajero) va descubriendo nuevos detalles, nuevas melodías, nuevos figurantes y elementos que enriquecen el libro. Un ramillete de acertadas comparaciones surten el poemario («La luna de Roma/era una cata de sandía/que iluminaba el Coliseo») que, por otra parte, es muy directo y sencillo, propio del estilo de Sonia San Román, que prefiere la simplicidad a la complejidad poética y eso hace mejor, más pura su obra, sin artificios que la adulteren.

Amarillo es un libro triste pero bello. Con ese tipo de tristeza que a uno le insufla ganas de vivir, aunque sólo sea por huir de los demás. Años después de la muerte del escritor Chusé Izuel, amigo personal de Félix Romeo, éste comenzó a escribir una serie de reflexiones y a transcribir los recortes de prensa sobre su muerte y su obra que ha vertido ahora en el libro Amarillo. Chusé Izuel fue un joven escritor zaragozano de interesante obra literaria y periodística. Afincado a principios de los años 90 en Barcelona, compartiendo piso con Romeo y otro amigo común, a los 24 años (el 27 de febrero de 1992), Izuel se precipitó por la ventana de su casa y murió como se suicidó también en Barcelona pero en 1999 el poeta José Agustín Goytisolo. Los dos escritores estaban sumidos en una honda depresión cuando pusieron fin a sus vidas.

Chusé Izuel fue un escritor que había despuntado en su provincia y que ahora puede ser considerado como un autor de culto después de que sus relatos fueran compilados dos años después de su muerte en el libro Todo sigue tranquilo, publicado por Ediciones Libertarias. Amarillo, que viene a recuperar su memoria para los que una generación después ni siquiera ya le conocen, es un libro que recoge diversas opiniones, detalles y sentimientos de escritores y periodistas sobre él. Sobre todo, claro, las emociones son las personales de Félix Romeo, que hace una purgación interior sobre los sentimientos hacia su fallecido amigo. «Por qué» es ya una pregunta tan inútil como complicada de responder, por eso Romeo elabora aquí un diario sobre los días posteriores a la muerte de Izuel, a la muerte de un compañero, de un escritor. Más que intentar explicar la causa, analiza el contexto.

¿Y qué decir en estos casos? Rara vez se consigue ser original ante un asunto tan delicado, por eso el autor ha esperado década y media para plasmar fielmente su opinión, para dejar constancia de quién fue Chusé Izuel y qué fue para él. Un importante pero triste testimonio de una vida ajena. La lectura de Amarillo es como descubrir el alma gemela de Félix Romeo, como dar con un secreto que ya otros disfrutan, como leer al propio Chusé Izuel. No obstante, el libro consigue un objetivo fundamental: que el lector se interese por él.

Un intelectual es habitualmente alguien que no se distingue precisamente por su intelecto. Se atribuye a sí mismo ese calificativo para compensar la impotencia natural que intuye en sus capacidades. Es aquello tan viejo y tan cierto del dime de qué alardeas y te diré de qué careces. Es el pan de cada día. El incompetente siempre se presenta a sí mismo como experto, el cruel como piadoso, el pecador como santurrón, el usurero como benefactor, el mezquino como patriota, el arrogante como humilde, el vulgar como elegante y el bobalicón como intelectual. De nuevo, todo obra de la naturaleza, que lejos de ser la sílfide a la que cantan los poetas es una madre cruel y voraz que necesita alimentarse de las criaturas que va pariendo para seguir viva.

En la Casa de Andalucía dos intérpretes de canción ligera actuaban sin público. El escenario, con sólo un órgano eléctrico, era algo decadente bajo los fuegos artificiales de La Ribera. Sólo los camareros miraban sin otra cosa que hacer y era incómodo pararse a escuchar, pero la pareja cantaba alegre como si lo hiciera ante un recinto lleno. Sólo dos personas cenaban en ese momento en las mesas y se distraían cotejando la mercancía de un vendedor ambulante. Mientras tanto, el Parrilla Rock empezaba tarde en la Plaza del Parlamento.

Atypical comenzó la noche con poco público y un repertorio frío. El pop-rock personal y peculiar, que es como se definen, se fue calentando gracias a guitarreos distorsionados y falsetes del cantante. Sobrios sobre el escenario, cuando mejor lo hacían interpretaron una versión del ‘Loco por incordiar’ de Rosendo y otra de Muse, grupo al que tienen como punto de referencia en sus creaciones. El grupo ganaba con creces en sus composiciones originales y más aún en castellano. A su finalización, la transición a Octopussy duró una eternidad. Con una estética entre Ozzy Osbourne, The White Stripes y The Ramones los de Haro salieron con la potencia de un buque y arrollaron a los pocos que se resistían a Dover. Lo más destacado de Octopussy es que se creen lo que hacen y eso es lo primero para poder transmitir. Dicen que hacen rock de alto octanaje y lo cierto es que su actuación no ofreció tregua alguna.

Dover, por otra parte, demostró que son uno de los pocos grupos a los que merece la pena ver más de una vez en directo. Llegaron a Logroño presentando su disco 2 de grandes éxitos, en el que han vuelto a interpretar sus viejos singles con su nuevo aire discotequero. Y en una discoteca con neones y plataformas convirtieron el escenario para una Plaza del Ayuntamiento llena a rebosar. Las luces, además, parecían pirotecnia aplicada al conciertazo que dio Dover.

El de las hermanas Llanos fue el mejor directo de San Mateo, con unos músicos que disfrutaban más aún que quienes les aplaudían a rabiar. Amparo, la cantante, con shorts y tacón rojo a lo Madonna, acabó haciendo flexiones y pidiendo novio entre el respetable, y Cristina, la guitarra, recordó otras visitas a la capital, siempre con fervor de los espectadores. Y eso sin hablar aún de que más del 50% de este grupo es el batería Jesús Antúnez, miembro que, como el pívot en balonmano, hace el trabajo oscuro pero a menudo el más importante. Como el resto de grupos contratados, se ciñeron a la hora justa de actuación, aunque regalaron un breve bis de dos temas interpretados con rabiosa felicidad. Al final, borrachos de alegría, los cuatro de Majadahonda acabaron abrazados sobre el escenario y felicitándose mutuamente.

De un lunes y un martes sin apenas conciertos se pasó a un miércoles con más de seis actuaciones en apenas cuatro horas. Y hoy, como ayer, coinciden en hora las actuaciones de la Plaza del Ayuntamiento con el Parrilla Rock, que tienen el mismo público y se divide. La final del concurso Rioja Rock que organiza la academia Musicalia se celebró por fin tras su aplazamiento y lo hizo a lo grande, en el escenario que ya han ocupado Orishas, Rosendo y Dover. En general no lo hicieron nada mal ninguno de los tres finalistas, no les vino grande el escenario y hasta el juego de luces parecía creado para ellos. Merecían estar en la final.

Miedo Azul abrió la noche con su rock sureño, casi country. Lo hacen bien, sobresale la guitarra de un virtuoso como Carlos Onís pero, tal vez, para ganar el certamen les faltó originalidad. Tarangallo se uniformaron medio de clowns medio de drugos para desplegar un ska frenético, divertido y siempre con espíritu crítico. Funny Roman Numbers se hicieron esperar por problemas en la situación de la batería y el cableado de las guitarras, pero mereció la pena, aunque el público fue menguando tanto que dejaba calvas que fueron utilizadas para aparcar bicicletas. Con punteos muy notables, cambios de ritmo y, en definitiva, una calidad muy distante a la mayoría de los grupos riojanos se les hizo el concierto muy breve, tanto que gracias al público consiguieron un bis de una canción. La música de Funny Roman Numbers recuerda por momentos a las melodías de The Killers, a la rapidez de Muse y a la voz desgarra de Julian Casablancas (The Strokes), y hacer eso y hacerlo con dignidad no es fácil. Por eso, a pesar de los problemas para arrancar, se llevaron el premio. Detrás, Miedo Azul y, terceros, Tarangallo.

Lo de Living Colour fue ya otra órbitra, se veía venir desde el monstruoso autobús que les condujo hasta Logroño, aparcado frente a la Sala Concept. La media entrada en el bolo permitió respirar y disfrutar al público, aunque el promotor tendrá otra impresión. El funky-metal de los newyorkinos se vivió intensamente gracias a la buena acústica de la sala. El guitarrista Vernon Reid se erigió como buen heredero de Hendrix y, para quien no lo supiera, se dilucidó de dónde vienen grupos como Rage Against the Machine y maestros como John Frusciante y Tom Morello. De todos modos, el batería Will Calhoun estuvo a su mismo nivel, a pesar de que sólo se le veían los platos; igual que, por su parte, el cantante Corey Glover, que tuvo un recuerdo para The Rolling Stones (puesto que Mick Jagger fue su descubridor), dio buena muestra de una sobresaliente variedad de voces y lanzó algunos mensajes al público que pocos entendieron. El metal daba paso a un reggae dub rock muy digerible y que gustó a todos, incluidos raperos y rockeros que allí se dieron cita. El de Living Colour fue un concierto de grandes dimensiones celebrado en una sala pequeña y con unos cientos de espectadores.

Para acabar, ElCuartoVerde volvió a abrir el escenario en el Ayuntamiento con un pop-rock fresco y vitalista. Los de Odón Serón desplegaron un ramillete de temas nuevos, incluida la versión de Rosendo que preparan para el disco de homenaje de los grupos riojanos, e hicieron saltar al público, que se sabía las canciones de su maqueta. De verde pistacho tocaron y dieron cuenta de su evolución, ya que su sonido se va limpiando. Por otro lado, la voz ronca del cantante, si impostada o si víctima ya de las fiestas, quedaba fatal al grupo. Uno de los nuevos temas arrancaba con toda una sentencia a tener en cuenta: «A ver quién es el guapo que alegra este cementerio».

Definitivamente, ya sea porque se espera menos de ellos y más de los grandes, los conciertos pequeños se están llevando la palma en estas fiestas. El martes la Michele McCain Blues Band ofreció uno de esas actuaciones inolvidables. La batería, el bajo y el piano comenzaron en solitario una sesión instrumental de jazz a la que pronto se unió la que fuera corista de artistas tan dispares como B.B. King y Javier Gurruchaga (en época de Orquesta Mondragón). Parecía un evento privado, 50 personas contadas había en la Concha del Espolón para disfrutar de una auténtica sorpresa: un concierto digno del mejor festival de jazz que se precie.

Michele McCain habló alegre y nostálgica con el público, que a pesar de ser poco en número aplaudió mucho y agradecido. La simpática cantante fue desgranando preciosas versiones de clásicos de Joe Cocker y Ray Charles, entre otros, y dejó encantados a los asistentes, que si no fuera por el primer frío de otoño parecía que asistían a ese directo en el salón de su casa. Poco a poco, los cuatro gatos se convirtieron en centena al recoger paulatinamente a los asistentes desencantados del espectáculo de danza de la Plaza del Ayuntamiento. La Michele McCain Blues Band fue sumando energía a su repertorio de jazz, soul, gospel y blues y demostró que aquel, pese a ser el acto menos multitudinario del día, fue sin duda el mejor concierto de la jornada. Y es que la voz de Michele McCain es propia de banda sonora de película de James Bond, un terremoto entre Ella Fitzgerald y Tina Turner.

La danza aérea de Voalá fue muy distinta. Después de los fuegos artificiales muchos curiosos se reunieron en torno a la grúa que mantenía suspendidos en el aire a los bailarines voladores. Los jóvenes propios de los conciertos de Rosendo y Orishas habían desaparecido. El espectáculo de Voalá era innovador, o extraño. Con vestuario clásico unos (los bailarines) y soviético otros (los cantantes) se dio forma a una especie de ópera rock a ritmo de guitarra eléctrica y acordeón en directo. El baile aéreo estaba repleto de referencias a la literatura y el arte en general: el último número fue una clara reproducción de la lluvia de hombres con paraguas del cuadro Golconde de René Magritte. Para quien le gustó, la arriesgada actuación fue breve, de apenas tres cuartos de hora. En general, una miscelánea de teatro, música y danza de difícil catalogación, y ya no digamos interpretación, así, sin prólogo, en unas fiestas como San Mateo.

Pasada con creces la una de la madrugada, en la Plaza 1º de Mayo continuaba a tope como en el primer minuto la Orquesta Cartoon Band. Con un camión-escenario propio de película de moteros, la docena de músicos y cantantes interpretaban uno tras otro popurrís de canciones de toda clase de épocas, géneros y pelajes, temas construidos con retales de otros tantos, destacando sólo los estribillos más famosos. Todo un encaje de bolillos bien entrada la noche y que apenas disfrutaban unas familias. Lo que pensaran los vecinos, seguramente, es otro cantar.