No sé hasta qué punto mi devoción por Art Pepper nubla en este caso la ecuanimidad que creo necesaria para la elaboración de esta lista, que, aunque inevitablemente subjetiva, debería regirse por decisiones reflexivas, responsables y juiciosas. Pero, en fin, ya está hecho: el número 20 es para Art Pepper, en mi humilde opinión uno de los tres mejores saxo-altos de la historia junto a Johnny Hodges y a Charlie Parker.

De toda su discografía (que no es precisamente muy extensa por culpa sus idas y venidas de la cárcel y de clínicas de desintoxicación, de su deteriorada salud y su muerte relativamente temprana) me quedo sin dudarlo con este ‘Art Pepper + Eleven’, que creo que es una magnífica muestra del talento creativo del saxofonista y que, en mi opinión, encierra además la quintaesencia del estilo ‘West Coast’, con sus arreglos sofisticados, su implacable swing, sus improvisaciones claras y su tono distendido.

El disco fue grabado en Los Ángeles en tres sesiones entre marzo y mayo de 1959 y, como ya se explica en el título, acompañaron a Pepper en el estudio otros once músicos más (casi una big band) entre los que cabría destacar a los trompetistas Pete Candoli y Jack Sheldon, a los saxos Bud Shank y Bill Perkins, al pianista Russ Freeman o al batería Mel Lewis. Pero, aparte de todos ellos, había una pieza más, una pieza fundamental: el arreglista y director de orquesta Marty Paich, que hace aquí un trabajo extraordinario adaptando el repertorio escogido a las características de la banda y de los solistas reunidos para la ocasión. La conexión musical entre Pepper y Paich resultó asombrosa. Tanto, que el director del sello Contemporary, Les Koening, a la vista de los resultados de este disco, ideó una amplia serie de colaboraciones entre ambos músicos a la manera de lo que en la Costa Este estaban haciendo en aquella misma época el trompetista Miles Davis y el arreglista Gil Evans. Pero la inminente entrada de Art Pepper en la prisión de San Quintin para cumplir una larga condena por posesión y consumo de heroína truncó los planes.

Escuchemos uno de los 15 espléndidos temas que contiene este disco. Se titula Groovin’ High (composición de Dizzy Gillespie). La primera improvisación es del trompetista Jack Sheldon; a continuación entra Art Pepper, bordando un solo majestuoso y sobrio a la vez, visceral pero elegante.

Vuelve nuestro viejo amigo Sonny Rollins a este blog y lo hace para entrar con todos los honores en un alto puesto dentro de la lista dedicada a hacer un repaso por los discos preferidos de un servidor. Saxophone Colossus es una grabación antológica que me acompaña desde la adolescencia y que nunca me canso de escuchar. Vuelvo a ella de forma recurrente como quien vuelve una gran ciudad muy querida, por la que se siente atrapado, unido por indescifrables lazos sentimentales, y en cada visita recupera agradables sensaciones del pasado y descubre nuevos rincones y nuevas emociones. Sonny sopló esta obra maestra en Nueva York, el 22 de junio de 1956, cuando tan solo tenía 26 años. La pericia, la madurez, la fuerza mental, el sentido del ritmo y la imaginación que muestra el saxofonista a lo largo de sus solos en los cinco temas que forman el disco es sencillamente un prodigio artístico de primera magnitud.

Durante la sesión le acompañaron Tommy Flanagan al piano, Doug Watkins al contrabajo y el gran Max Roach a la batería. Siempre huyendo de la rutina y lanzándose por cualquier cauce que pudiera dar salida a su exuberante sentido musical, Sonny bordó improvisaciones memorables sobre Blue Seven (un sencillo blues al que el saxofonista le saca todo el jugo imaginable), You Don’t Know What Love is (una hermosa balada interpretada con un puntito de acidez) o sobre este St. Thomas (composición del propio Sonny Rollins que es en realidad un calipso de ritmo gozoso y pegadiza melodía, reminiscencia de las islas antillanas de las que los padres del músico eran originarios).

Cualquier cosa que suceda en el anémico panorama del jazz vocal masculino de hoy en día es una noticia para los aficionados. Si lo que sucede es que un joven tenor saca al mercado un disco de la calidad de este Hi-Fly, entonces la cosa cobra categoría de gran acontecimiento. El creador de esta maravilla de CD es un chico llamado Sachal Vasandani. Nació en Chicago aunque su familia es de origen indio. De entre los pocos datos biográficos que conozco de él destacaría que fue un brillante alumno de Económicas en la Universidad de Michigan y que, tras graduarse, llegó a Nueva York para trabajar en Wall Street como inversor. Aunque parece que Sachal era un fenómeno de las finanzas, poco a poco fue perdiendo interés por su profesión al tiempo que se apasionaba por el ambiente jazzístico de la ciudad.

Comenzó a cantar por las noches en algunos pequeños clubs y un día dejó su trabajo para dedicarse por entero a música. En los últimos cinco años ha sacado tres discos. Este Hy-Fly, recién salido al mercado, es sin duda el mejor de ellos: una obra madura, bien concebida e impecablemente ejecutada. Sachal Vasandani se muestra como un cantante seguro, capaz de sacar todo el potencial a una voz privilegiada sin caer en el exhibicionismo, con un estilo moderno y desinhibido, heredero quizá del camino marcado por Kurt Elling, pero, como éste, con un profundo respeto por la tradición jazzística que para el oyente se traduce en ligeros ecos de Mel Tormé, Mark Murphy y Jon Hendricks, quien, por ciento, a sus 90 años, interviene como artista invitado en dos de los temas de este disco.

Como primera toma de contacto con este magnífico disco, vamos a escuchar There’s A Boat That’s Leaving Soon For New York (composición de George Gershwin). Además de Sachal Vasandani, están Jeb Patton al piano, David Wong al contrabajo y Kendrick Scott a la batería.

Cuando Cannonball organizó este grupo con motivo de una sesión de grabación que le ofreció el sello Blue Note para el 9 de marzo de 1958, el saxofonista decidió y logró reunir a un magnífico grupo que formaron Hank Jones al piano (la elegancia personificada), Sam Jones al contrabajo (sobriedad y consistencia asegurada) y Art Blakey a la batería (la chispa creativa). Como por aquel tiempo, Cannonball estaba trabajando la banda de Miles Davis, decidió devolverle el favor invitándole a completar su quinteto, acudir a los estudios, tocar un poco y llevarse un dinerillo. Lo que el saxofonista no calculó es que era absolutamente imposible que el genio de Miles se amoldara a jugar un papel secundario en ningún grupo, y tuvo que ver cómo poco a poco el trompetista se iba adueñando de la sesión de grabación y acabó imponiendo sus ideas musicales, su sello personal, en cada uno de los temas que se grabaron aquel día, de modo que, aunque Somethin’ Else está editado a nombre de Cannonball Adderley, todo el mundo lo considera un disco más (y uno de los mejores) de Miles Davis.

Como ejemplo del contenido de este discazo vamos allá con la que para mí es la mejor versión nunca grabada del conocido standard Autumn Leaves (de Jacques Prevert y Joseph Kosma). Primero escucharemos un mágico preludio escrito para la ocasión, luego a Miles exponiendo el tema con su inigualable estilo melancólico, taciturno, casi perezoso, a continuación un solo de Cannonball que se estudia hoy en las escuelas de jazz de todo mundo, vuelve después Miles improvisando, entra Hank Jones… y vuelta al tema original redondeando diez minutos realmente gloriosos. Aquí los tenéis:
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The Lost And Found es su tercer trabajo discográfico, aunque el primero que cuenta con un respaldo promocional decidido. La banda que le acompaña está formada por músicos de su misma generación: Taylor Eigsti al piano, Derrick Hodge al bajo y Kendrick Scott a la batería, a los que se suman en algunos temas Dayna Stephens al saxo tenor y Alan Hampton a la guitarra. La música resultante suena totalmente contemporánea, enclavada en alguna parte entre las fronteras indefinidas del jazz, el soul, el pop, la música brasileña y el hip-hop.

Aquí tenéis una pequeña muestra del disco que estos días me tiene loco. El tema se llama How We Love, música y letra de Gretchen Parlato.
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Vamos a escuchar un tema que se titula Celia, bonita y muy tarareable composición a tiempo medio del propio Bud Powell interpretada aquel lejano 23 de febrero con Ray Brown al contrabajo y el maestro Max Roach a la batería:
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Estos son los conciertos confirmados hasta el momento:

09/02 Murcia (Auditorio Víctor Villegas)

10/02 Zaragoza (Auditorio)

01/03 Barcelona (Teatro Parallel)

19/03 Salamanca (Auditorio Fonseca)

08/05 Cádiz (Teatro Manuel de Falla)

04/06 Avilés, Asturias (Auditorio Niemeyer)

Luego continuará la gira por Europa y América a lo largo de todo el 2011.

Como aproximación a la música que contiene este nuevo disco de Chano vamos a escucharle con los miembros de su actual cuarteto interpretando El Puerto, composición de Isaac Albéniz:
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Escuchemos a modo de ejemplo el tema que abre el disco, Honeybone, bonita bossa-nova composición del propio Malone.
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El disco fue grabado en sólo un día, en una sola sesión, y cada tema fue grabado en una única toma, excepto You Are Too Beautiful que debió ser grabada dos veces debido a que al batería Elvin Jones se le cayó una de las baquetas durante la primera toma. El repertorio fue consensuado por ambos en una breve reunión en torno a una de las mesitas del Birdland Jazz Club. Apuntaron media docena de standards en una hoja de papel y quedaron para el 7 de marzo en los estudios. Pero al salir del Birdland y montar en el coche para irse a casa encendieron la radio y se quedaron paralizados escuchando a Nat King Cole cantar la balada Lush Life. Retomaron el papel y añadieron el título de la canción a la lista. Lush Life, composición de Billy Strayhorn, ha sido grabada a lo largo de los años por multitud de músicos de jazz, pero para mí ésta es la versión definitiva:
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