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Pintura y jazz. Meredith D'Ambrosio

José Ángel González — Sun, 18 Sep 2011 22:31:05 +0000

Es la primera vez que sucede, aunque no será la única. Me refiero a que en este apartado dedicado a relacionar pintura y jazz no hay en esta ocasión dos protagonistas, sino que presentamos a una única persona que se expresa indistintamente en ambas manifestaciones artísticas. Se llama Meredith D’Ambrosio y, además de pintar primorosamente como veréis en el video de aquí abajo, es una cantante maravillosa y, sin embargo, muy desconocida.

En gran parte, la culpa de que Meredith D’Ambrosio sea una figura casi anónima en el mundo de la música la tiene ella misma, pues por elección, desde hace muchísimos años, vive tranquilamente en un pueblecito de la costa de Florida, alejada de los circuitos de jazz y de espaldas a las grandes compañías discográficas. Su voz es profunda y cálida; su dicción y su entonación, perfectas; y su fraseo, su swing y su expresividad tienen un especial encanto por su dulzura, elegancia y aparente sencillez. Su nombre nunca aparece en los medios de comunicación, ni en los carteles de los festivales, ni suele pronunciarse en las conversaciones entre aficionados al jazz. Quienes conocemos bien a D’Ambrosio casi preferimos que sea así, que sea un diamante escondido cuya belleza se disfruta privadamente, que sea una playa virgen y secreta a la que poder volver de vez en cuando para hallar paz y solitario deleite.

He eleborado este vídeo en el que aparecen algunas de sus pinturas con el fondo musical de la voz de Meredth D’Ambrosio acompañada por Eddie Higgins (piano), Rufus Reid (contrabajo) y Keith Copeland (batería). El tema se titula Peace (composición de Horace Silver) y pertenece a su disco Love Is Not A Game, grabado en 1990. Disfrutad, pero, chssssssss!, guardadme el secreto.

Pintura y jazz. Jackson Pollock & John Coltrane

José Ángel González — Sat, 09 Apr 2011 09:15:00 +0000

En este nuevo post de la serie ‘Pintura y jazz’ vamos a poner en relación las obras de dos de los más grandes creadores que dio el pasado siglo XX. Por un lado, Jackson Pollock, principal representante de la vanguardia pictórica estadounidense, y por otro el saxofonista John Coltrane, genio incontestable del jazz moderno e icono de la cultura afroamericana.

A John Coltrane ya le conocemos un poco en este blog y sin duda volveremos a él repetidamente (por ejemplo a medida que avance la sección ‘Mis 40 Principales’). Comenzó tocando be-bop en la orquesta de Dizzy Gillespie, evolucionó al hard-bop en el grupo de Miles Davis y, desde comienzos de los 60 hasta su prematura muerte en 1967 (cuando tenía 40 años) debido a problemas hepáticos, encontró la vía formal para elevar el jazz a una nueva dimensión, a una nueva frontera que todavía, casi medio siglo después, no ha podido ser superada.

Lo mismo que Pollock en la pintura, Coltrane rompió muchas de las reglas establecidas en la música e inventó nuevas formas expresivas. Por ejemplo, la forma de lanzar la pintura contra el lienzo de Pollock, de manera violenta y dinámica, creo que tendría su equivalente en las improvisaciones torrenciales y frenéticas de Coltrane, que también lanzaba al aire con furia sus famosas ‘láminas de sonido’, creando obras maestras de enorme abstracción pero también de enorme carga emocional.

La carrera artística de Pollock avanzó de forma muy similar a la de Coltrane, es decir, buscando cada vez más libertad formal y más expresividad, pues pasó de ser un admirador de Picasso a ser más tarde seducido por la escuela surrealista y terminar finalmente reivindicándose a sí mismo como un creador iconoclasta, rompedor, novedoso y, en todos los sentidos, extraordinaro.

Como en el caso de Coltrane, la existencia de Jackson Pollock fue breve (murió en 1956, a los 44 años, en un accidente de tráfico) pero muy prolífica. Ambos representan a la perfección la figura del artista totalmente entregado a su obra, de vida, por lo tanto, inevitablemente desordenada; ambos padecieron las consecuencias del alcoholismo; ambos fueron adelantados a su tiempo, creadores en el más puro sentido del término; ambos jugaron con el caos como forma de liberación; ambos, en fin, fueron vanguardistas radicales que se cuestionaron todas las estructuras predeterminadas y posibles, llevándolas a su límite, llevándolas, en último término, a su destrucción.
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Pintura y jazz. René Magritte & Lennie Tristano

José Ángel González — Thu, 10 Feb 2011 09:39:00 +0000

La idea germinal de este post que me pongo a escribir ha estado rondando inquieta mi cerebro desde hace unos cuantos meses, y estoy decidido a darle ahora mismo su merecido acomodo. En una visita relámpago a Bruselas por motivos relacionados con mi trabajo saqué un rato (demasiado corto, sin duda) para visitar una macro-exposición dedicada al pintor belga René Magritte (1898-1967) que se había montado en el espectacular edificio del Museo Real de las Bellas Artes. Mientras caminaba por las salas del museo, contemplando apresuradamente un cuadro tras otro, me vino a la cabeza la música de Tristano, algunas de cuyas intrincadas composiciones me puse a tatarear por lo bajinis como oportuno hilo musical de todo aquello que veía.

La cosa encajaba; al menos a mí me encajaba. El pianista ciego Lennie Tristano (Chicago, 1919 – Nueva York, 1978) fue uno de los grandes teóricos y renovadores del jazz de mitad del siglo XX. La escucha de su música, a caballo entre el cool y la antesala del free-jazz, me suele producir la misma sensación de confortable irrealidad que me transmiten los cuadros de Magritte. La audacia de ambos artistas a la hora de plantear sus obras, la confianza en el poder creador de la imaginación, el derribo de las barreras entre la materialidad y la ensoñación, y también cierta frialdad o desapego emocional en relación al hecho artístico son, a mi modo de ver, características comunes.

El tema que he utilizado para la elaboración de este video se llama Intuition y se trata en realidad una improvisación colectiva donde lo único previamente pactado fue el orden de entrada de los instrumentos. Fue grabado en 1949 por Lennie Tristano (piano), Lee Konitz (saxo alto), Warne Marsh (saxo tenor), Billy Bauer (guitarra) y Arnold Fishkind (contrabajo).
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Pintura y jazz. Fabián Pérez y Chano Domínguez

José Ángel González — Tue, 07 Dec 2010 16:48:00 +0000

Chano Domínguez (Cádiz, 1960) es en mi opinión el mejor músico que tenemos en la actualidad en este país, un creador único, un pianista esplendoroso y sensitivo y el hombre que ha encontrado, por fin, la Piedra Rosetta de la fusión del jazz y el flamenco. Tiempo habrá a lo largo de la vida de este blog para volver una y otra vez a encontrarnos con Chano, glosar su vida y disfrutar de su obra. Hoy visita por primera vez ‘Cosijazz mías’ para co-protagonizar un nuevo capítulo de la sección que dedicamos a relacionar pintura y jazz.

El otro co-protagonista es Fabián Pérez (Buenos Aires, 1966), un talentoso pintor argentino que abandonó su país a los 22 años y desde entonces ha residido primero en Italia, más tarde en Japón y en la actualidad se encuentra afincado en Los Ángeles. Yo diría que son fundamentalmente tres los puntos en común que tiene con Chano Domínguez: un estilo completamente personal y reconocible al instante; una sensibilidad extraordinaria que fluctúa casi sin solución de continuidad entre la melancolía y la pasión; y una apuesta por la (sólo) aparente sencillez en la transmisión de los sentimientos y los hallazgos formales.

Para comprobarlo y deleitarnos con el arte de ambos aquí tenéis este video. La música que acompaña a los lienzos es una composición de Chano titulada Alma de Mujer que se encuentra en su disco Hecho a Mano, de 1996.
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Pintura y jazz. Eugenio Fernández Granell & Sonny Rollins

José Ángel González — Thu, 28 Oct 2010 10:17:00 +0000

Eugenio Fernández Granell (La Coruña, 1912 – Madrid, 2001), reconocido internacionalmente como una figura ilustre en el panorama pictórico del S. XX, se inició en el arte a través de sus estudios de música, disciplina ejerció en él una influencia fundamental, tanto en su desarrollo vital como en su proyección en la pintura. En su juventud se trasladó a Madrid y tomó contacto con el ambiente político izquierdista e intelectual, incorporándose e identificándose plenamente con él. En la década de los cuarenta, precisamente por motivos políticos, se exilia en Santo Domingo, y es allí, en el Caribe, tras conocer a André Breton, donde comienza a desarrollar más intensamente sus actividades plásticas llegando a adquirir un protagonismo destacado dentro del movimiento surrealista americano.

La cultura y los rituales de las islas Antillas fueron un importante foco de inspiración en su obra, y es aquí donde encontramos un primer punto en común con Sonny Rollins, puesto que recordemos que el saxofonista neoyorquino es hijo de una familia de emigrantes antillanos. Como podréis comprobar en el tema musical que he seleccionado para elaborar el siguiente video, Sonny nunca olvida sus raíces caribeñas.

Por otro lado, también señalaré que Sonny, desde mediados de los 50, se posicionó claramente como un hombre de ideas progresistas, por no decir revolucionarias, y durante las décadas siguientes luchó valientemente en su país a favor de los derechos civiles del pueblo afroamericano.

Aparte de estas coincidencias, yo diría que las imágenes de Fernández Granell y la música de Sonny Rollins están sobre todo emparentadas por la exhuberante capacidad de ambos para dejar volar sin ningún tipo de riendas la imaginación y hacer de sus obras un reducto mágico y personal, donde campan a sus anchas las formas caprichosas y espontaneas, con cierto grado de barroquismo y también con un punto de humor.

Para este vídeo he utilizado el tema titulado Salvador, composición de Sonny Rollins, que pertenece al disco ‘This Is What I Do’. Está grabado en al año 2000 con nuestro Sonny Rollins al saxo tenor, Stephen Scott al piano, Bob Cranshaw al bajo y Jack DeJohnette a la batería.
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Pintura y jazz. Leonid Afremov & Charlie Haden

José Ángel González — Fri, 17 Sep 2010 09:47:00 +0000

El contrabajista norteamericano Charlie Haden y el pintor bielorruso Leonid Afremov son los protagonistas de este nuevo capítulo del blog dedicado a conectar jazz y pintura. Creo que el punto de unión más claro entre ambos es su concepción moderna del romanticismo. Ambos mantienen un gusto valiente y sincero por las situaciones más tópicas de la ternura, la belleza, la delicadeza y el lirismo, pero le añaden una pizca de melancolía y renuevan cada uno de estos conceptos con un colorido (musical o pictórico) casi provocador y una técnica muy personal (Afremov pinta directamente aplicando el oleo sobre el liezo con una pequeña paleta; Haden prefiere poner cuerdas de tripa de cerdo en su contrabajo en lugar de las cuerdas metálicas habituales).

Afremov nació en la ciudad bielorrusa de Vitebsk en 1955. Comenzó pintando carteles políticos por encargo del partido comunista de la URSS, pero en cuanto hubo una ligera apertura del régimen aprovechó para salir del país. Se estableció primero en Israel y más tarde en Estados Unidos (en Palm Beach, Florida), donde ha conseguido, por fin, reconocimiento artístico y dinero.

Charlie Haden (Iowa, 1937) es uno de los contrabajistas más respetados y uno de los compositores más exquisitos de la actualidad. Iba para cantante, pero contrajo la polio cuando era adolescente y la enfermedad le dañó las cuerdas vocales, tras lo cual se decidió a aprender el contrabajo. Sus primeros trabajos los encontró en la Costa Oeste acompañando a músicos como Hampton Hawes o Art Pepper, pero la etapa más decisiva de su carrera la pasó junto al revolucionario saxo alto Ornette Coleman a finales de los 50 y principios de los 60. Años después estuvo un tiempo con Keith Jarrett y luego fundó el Charlie Haden Quartet West, un cuarteto más clásico donde Haden echa a volar su lado poético y sentimental, interpretando viejos standars y baladas.

Para el vídeo he utilizado una composición de Haden titulada Sunset Afternoon, interpretada con su Quartet West (es decir: Charlie Haden al contrabajo, Ernie Watts al saxo tenor, Alan Broadbent al piano y Larence Marable a la batería). Forma parte del disco Always Say Goodbye, de 1993.
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Pintura y jazz. Jack Vettriano & Paul Desmond

José Ángel González — Fri, 13 Aug 2010 21:17:00 +0000

Nuevo post dedicado a relacionar pintura y jazz. Hoy he elaborado un vídeo con cuadros de Jack Vettriano sobre el fondo musical de un maravilloso cuarteto liderado por el saxo-alto Paul Desmond.

Jack Vettriano nació en una pequeña localidad industrial de Escocia en 1951. A los 16 años comenzó a trabajar en una mina y no fue hasta los 21 cuando tuvo por primera vez un pincel en sus manos, cuando su novia, impresionada por su facilidad para el dibujo, le regaló una caja de acuarelas. El talento de Vettriano se fue puliendo poco a poco, siempre de forma autodidacta, y a mediados de los años 80 ya se ganaba la vida dedicándose exclusivamente a la pintura. Hoy vende algunos de sus cuadros por encima del millón de dólares y es un artista bastante popular que, sin embargo, no ha conseguido el beneplácito de la crítica.

Paul Desmond (San Francisco, 1924 – Nueva York 1977) tampoco gozó en vida de los elogios de los articulistas especializados, aunque con el paso del tiempo se le ha ido haciendo justicia. Lo mismo que ocurre con Vettriano, el arte de Desmond es fácilmente asimilable por cualquier tipo de público que tenga un mínimo de sensibilidad o cultura artística, entre otras cosas porque en su modo de expresión prima el aspecto narrativo y comunicativo por encima de cualquier otra consideración estética. Los trabajos de ambos, creo yo, comparten un halo de glamour, de cierto misterio, de claro romanticismo y de turbia sensualidad.

Lo mejor es que lo veamos ya. El tema se titula When Joanna Loved Me y están Paul Desmond al saxo alto, el gran Jim Hall a la guitarra (ya veréis que solo tan bonito y tan original), Eugene Wright al contrabajo y Connie Kay a la batería.

Pintura y jazz. Joan Miró & Ornette Coleman

José Ángel González — Thu, 10 Jun 2010 22:17:00 +0000

En este nuevo post dedicado a relacionar pintura y jazz compartiré con vosotros el curioso fenómeno por el cual alguna misteriosa conexión neuronal me trae a la cabeza imágenes de los cuadros de Joan Miró cuando escucho a Ornette Coleman y me hace comenzar a silbar alguna composición de Ornette Coleman cuando me coloco ante una obra de Joan Miró. Ellos nunca se conocieron y nacieron a unos 10.000 kilómetros de distancia: el pintor en Barcelona y el saxofonista en Texas. Intentando racionalizar el efecto de coordinación que yo denoto entre ellos, diré que tanto uno como otro manifestaron claramente con sus obras su afán de rebelión contra cualquier norma estética preestablecida y su deseo de llevar el arte hacia terrenos inexplorados. En esos terrenos la libertad formal, la ausencia de ataduras, la fe en la imaginación y en la intuición fueron para ambos sus armas principales. Como interesante consecuencia de ello existe en la pintura de Miró una especie de pulsión infantil que, en mi opinión, es completamente acorde con la sensación que transmite la música de Ornette.

El video que he elaborado muestra algunos cuadros del artista catalán mientras suena European Echoes, uno de los temas del magnífico disco titulado ‘Ornette Coleman Trio at The Golden Circle’, grabado en directo en Estocolmo en 1965 con Onette al saxo alto, David Izezon al contrabajo y Charles Moffett a la batería.

Pintura y jazz. Edward Hopper & Miles Davis

José Ángel González — Wed, 21 Apr 2010 11:12:00 +0000

En uno de mis primeros post anuncié que el jazz nos serviría de excusa para, de vez en cuando, hacer alguna pequeña y respetuosa incursión por los terrenos de otras artes. Ya he tendido en este blog algunos puentes entre el jazz y el cine o el jazz y la fotografía. Da mos hoy un paso más e inauguramos la sección ‘pintura y jazz’, una sección donde, más que en ninguna otra, la subjetividad de quien esto escribe jugará un papel fundamental.

Amp arado en esa subjetividad hoy me atrevo a asegurar que las creaciones artísticas del trompetista Miles Davis (Alton, 1926 – Santa Mónica, 1991) y del pintor Edward Hopper (Nueva York, 1882 – Nueva York, 1967) se hayan unidas por muy fuertes y consistentes lazos. A mi juicio, no ha habido jamás un músico que haya sabido expresar mejor el sentimiento de soledad que Miles Davis; y exactamente lo mismo podría decirse de Edward Hopper en el ámbito de la pintura. Además, creo que ambos comparten una habilidad excepcional para hacer del silencio un recurso expresivo básico en su obra (el silencio parece un elemento casi palpable en los lienzos de Hopper, lo mismo que en los fraseos meditabundos de Miles).

Para intertar demostrarlo he hecho este vídeo. El tema que suena es It Never Entered My Mind, grabado en 1954 por Miles Davis (trompeta), acompañado por Horace Silver (piano), Percy Heath (contrabajo) y Art Blakey (batería).
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