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Entrevista con Niño Josele

José Ángel González — Thu, 05 May 2011 12:22:00 +0000

«Yo no estoy al servicio del jazz ni del flamenco; estoy al servicio de la música»

JOSÉ ÁNGEL GONZÁLEZ | LOGROÑO.

Juan José Heredia, ‘Niño Josele’, almeriense de 37 años, es uno de los máximos exponentes de la nueva ola de ‘tocaores’ que se salta con completa naturalidad las barreras estilísticas del viejo flamenco para entrar con entusiasmo y frescura en los terreros del jazz. Estará esta noche en el Bretón al frente de un cuarteto de total garantía.
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– Cada vez hay más músicos procedentes del flamenco en los carteles de los festivales de jazz. ¿Qué está pasando aquí?

– El flamenco está traspasando barreras. Aunque la fusión es una cosa muy antigua porque Ramón Montoya ya la hacía hace muchos años, es cierto que últimamente, con Paco de Lucía, con Enrique Morente, se ha llevado el flamenco tan alto que se ha podido dar ese paso adelante.

– ¿Considera entonces que la fusión con el jazz es un paso adelante para el flamenco?

– Yo así lo pienso. Siempre es un paso adelante adaptarse a nuevos tiempos, comunicarse con otros músicos, mezclarse con otras músicas interesantes… Todo esto, por supuesto, sin olvidarnos de dónde venimos, cuáles son nuestras raíces y nuestros maestros.

– ¿En su caso particular cómo y cuándo se produjo el acercamiento al jazz?

–Mi familia está muy vinculada al flamenco tradicional y yo, desde pequeñito, aprendí todo eso. Con 14 años ya había acompañado a Chano Lobato o a Rancapino, por ejemplo. Pero mi padre también me abrió las puertas a otras músicas. Recuerdo haber ido con él a conciertos de clásica, de jazz o incluso de rock. Pero mi verdadero interés por el jazz surgió cuando me fui a vivir a Madrid. Pude ir a un montón de clubes, vi tanta mezcla… Y después también me marcó mucho la película Calle 54, de Fernando Trueba, que me hizo aficionarme al jazz latino.
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– Con usted, además de Perico Sambeat, vienen esta noche a Logroño Javier Colina y Guillermo McGill, que precisamente salían en esa película.

– Sí, la verdad es que es un lujo de cuarteto. Colina es un músico universal, Guillermo es uno de los mejores baterías que hay en Europa, y Perico… Perico es un monstruo. No lo digo yo; lo dice todo el mundo.

– ¿Y cómo definiría la música resultante?

-Pues yo creo que refleja la forma que tengo ahora de ver el flamenco, más abierta, más cercana al jazz, aunque no sabría, ni quisiera, ponerle una etiqueta. ¿Jazz-flamenco? No sé. Yo no estoy al servicio del jazz ni del flamenco; estoy al servicio de la música.

– En el mundillo del jazz fue muy bien acogido aquel disco del 2006 en el que se dedicó usted a tocar la música de Bill Evans. ¿Por qué eligió precisamente a este músico para su primera incursión en el jazz?

– La admiración hacia Bill Evans me llegó a través de Bebo Valdés y de Fernando Trueba. Ellos me animaron a escucharlo y me regalaron discos suyos; los escuche e inmediatamente me hice un fan de su música. Quise plasmar en ese disco su forma de ver la música, su gusto y su respeto por la melodía.
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– Chick Corea ha dicho de usted que es «el sucesor natural de Paco de Lucía».

– Es un elogio muy grande que se lo agradezco, pero no, Paco no va a encontrar nunca un sucesor porque es un genio irrepetible. Habrá nuevos músicos, otros grandes guitarristas, pero no más ‘Pacos’.

'Cosijazz mías' PRESENTAAAAAAA a Adrien Moignard

José Ángel González — Mon, 21 Mar 2011 09:48:00 +0000

Mi amiga del facebook María Ballaz, que de esto del jazz sabe la tira, me puso el otro día sobre la pista de este muchacho. Se llama Adrien Moignard, es francés y tiene 25 primaveras. Cogió por primera vez una guitarra a los 12 años y se ha formado de manera autodidacta. Ha grabado al menos un disco, según he podido leer por algún sitio en Internet, así que lo voy a poner inmediatamente en mi lista de próximas adquisiciones. El chico es un hacha con la guitarra acústica como ahora veréis, con un estilo muy anclado en la tradición de Django Reinhardt aunque también se adivinan detalles de George Benson o Pat Metheny. Tiene, creo yo, un prodigioso sentido del swing y un fraseo chispeante y sin lagunas. A ver qué os parece:
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Novedades discográficas. Russell Malone. Triple Play

José Ángel González — Sun, 23 Jan 2011 09:30:00 +0000

Entras en una tienda de discos (en las pocas que quedan) y se hacen inescrutables los motivos, las razones o las coincidencias por las que acabas desechando cientos de grabaciones que van pasando por tus manos, seguramente buenísismas, y terminas llevando a caja un determinado CD que se convierte en ‘el elegido’. En el caso de este Triple Play, lo que me llamó positivamente la atención, me hizo gracia, fue que los tres músicos que participan en el disco hubieran pasado estos últimos años por el Ciclo de Jazz de Logroño. El líder de la sesión es el guitarrista Russell Malone, a quien pudimos ver en el Salón de Columnas en un concierto en dúo con Benny Green; el contrabajista es David Wong, que vino la pasada edición en el seno del cuarteto de Roy Haynes; y el batería es Montez Coleman, a quien vimos hace tiempo en un magnífico grupo que trajo Mulgrew Miller. Tres grandes musicos; calidad asegurada, me dije.

Y así es. Triple Play es el primer disco en trío que graba en su ya larga carrera Russell Malone, un guitarrista de técnica excepcional y buen gusto que despuntó a finales de los 80 en el grupo del gran organista Jimmy Smith y comenzó a hacerse conocido en los 90 como acompañante de Dianna Krall y de Harry Connick Jr. El trabajo está editado por el pequeño pero serio sello discográfico MaxJazz y se trata de un CD que si bien no es una obra maestra, es de escucha muy satisfactoria. Música hecha con elegancia, con profesionalidad, con lucidez y con pasajes muy inspirados y meritorios.

Escuchemos a modo de ejemplo el tema que abre el disco, Honeybone, bonita bossa-nova composición del propio Malone.
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Perfiles. Pat Martino. Dos veces guitarrista.

José Ángel González — Wed, 29 Sep 2010 09:29:00 +0000

El guitarrista italo-americano Pat Martino nació en Filadelfia en 1944. Su padre, cantante y gran coleccionista de discos de jazz, le inculcó desde muy niño el amor por la música y pronto comenzaría a estudiar solfeo y guitarra. A los 15 años ya actuaba profesionalmente en el seno de algunos grupos de su localidad. Durante los 60 y los 70 se convirtió en una figura prestigiosa dentro del panorama jazzístico tocando al lado de Jack McDuff o Jimmy Smith así como mostrando su enorme virtuosismo en grabaciones a su propio nombre.

En 1980 ocurrió un hecho que partió en dos su biografía. Martino sufrió un grave aneurisma cerebral y tuvo que ser operado a vida o muerte. Cuando despertó en la cama del hospital y abrió los ojos un hombre y una mujer estaban en la habitación dispuestos a procurarle todo tipo de cuidados. Eran sus padres, pero no los reconoció. A Pat Martino le quedó una amnesia total.

Martino, con 36 años, era una persona nueva, limpia, vacía. Tuvo que reconstruir por completo su propia vida, tuvo que aprender todo otra vez, incluido tocar la guitarra. Lo consiguió con mucha paciencia, mucho esfuerzo y la ayuda de sus amigos músicos, estudiando los manuales de guitarra que él mismo había publicado y escuchando hasta la saciedad sus propios discos, tratando así no sólo de aprender a tocar de nuevo sino de recobrar su propio estilo.

Pasó de ese modo siete largos años, hasta que volvió a la escena musical en 1987 con el lanzamiento del disco The Return (El Regreso), que sorprendió muy gratamente a todo el mundo. El viejo/nuevo Pat Martino es hoy una leyenda de la guitarra, hombre respetado por la crítica, un referente para las nuevas generaciones de músicos y un colega admirado y querido dentro del mundo del jazz.

Martino, con 66 años, sigue disfrutando de su ‘segunda vida’ y nosotros, los aficionados, también. Escuchémosle en un concierto en directo en el 2008, junto a Tony Mónaco (un gran organista al que pudimos ver en el Ciclo de Jazz de Logroño hace dos años) y al batería Harvey Manson. El tema que interpretan es Sunny, un clásico del soul.
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Muere el guitarrista Herb Ellis

José Ángel González — Thu, 01 Apr 2010 01:48:00 +0000

Me acabo de enterar. Se nos ha ido Herb Ellis. Murió en su casa de Los Ángeles el pasado domingo, según publica hoy el New York Times. Tenía 88 años y desde hace un tiempo estaba aquejado de la enfermedad de Alzheimer. El mundo del jazz se queda sin uno de los más elegantes guitarristas de la historia. Su sonido limpio, su buen gusto en los solos y su portentoso sentido rítmico alcanzaron la máxima expresión en los años 50 en el seno del trío sin batería de Oscar Peterson. Le echaremos de menos.

Perfiles. Django Reinhardt. El hombre de la mano de oro

José Ángel González — Sun, 21 Mar 2010 12:41:00 +0000

La historia del jazz está jalonada de grandes músicos con biografías increíbles. La intención es que por este blog vayan pasando a lo largo del tiempo algunos de ellos. Empezaré trazando un somero perfil del prodigioso guitarrista Django Reinhardt al coincidir que en este año se cumple el centenario de su nacimiento.

Django Reinhardt (1910-1953) llegó al mundo en Bélgica aunque pasó la mayor parte de su vida afincado en París. Se crió en el seno de una familia gitana que se ganaba la vida de forma nómada presentando por los pueblos un espectáculo con una cabra y un oso como artistas principales, a quienes acompañaban el cabeza de familia a la trompeta y el jovencito Django al banjo. Cuando tenía 18 años ocurrió un suceso que marcaría su vida: el carromato en el que vivía se incendió y Django resultó gravemente herido. El fuego le dejó como secuela, entre otras cosas, la atrofia permanente de dos dedos de su mano izquierda. Mientras se recuperaba en el hospital, uno de sus hermanos le regaló una guitarra y le animó a que su minusvalía no hiciera mella en él. Y así fue. Reinhardt, analfabeto, incapaz de leer una sola nota en una partitura y con sólo tres dedos útiles en su mano izquierda acabaría convirtiéndose en uno de los mejores músicos del siglo XX y en una influencia siempre admitida por multitud de guitarristas modernos.

El año 1931 fue otra de las fechas clave en su biografía. Tras haber estado unos años ganándose la vida como músico en París (trasladando a su instrumento aquellos extraños sonidos de un estilo llamado jazz que venía del otro lado del Atlántico) coincidió en una de sus actuaciones con el violinista francés Stephane Grapelli, con quien de inmediato estableció una química musical fuera de lo normal. Ambos crearon el legendario ‘Quintette du Hot Club de France’, un grupo formado exclusivamente por instrumentos de cuerda (contrabajo, tres guitarras y violín) que contribuyó como ningún otro a extender el jazz por Europa y animó tantas y tantas noches en el feliz París de entreguerras.

La ocupación nazi de Francia pilló a Grapelli de gira por Inglaterra y allí se quedó durante unos cuantos años. Mientras, Django se convirtió en uno de los puntales de la Resistencia y a punto estuvo varias veces de ser capturado y enviado a los campos de concentración como tantas otras personas de su raza. Tras la liberación de París, Django consolidó su prestigio de guitarrista excepcional tocando con muchos de los músicos norteamericanos que pasaron por la capital francesa en esa época. Su fama de guitarrista virtuoso, de acompañante con swing infalible y de solista increiblemente imaginativo, llegó hasta oídos de Duke Ellington, que le invitó a viajar a Estados Unidos y a unirse a su banda durante un tiempo.

Juerguista impenitente, bebedor, jugador, noctámbulo y mujeriego, el cuerpo de Django Reinhardt no pudo seguirle el ritmo y se plantó un 6 de mayo de 1953 en Fontainebleau, cuando el guitarrista apenas contaba con 43 años. Hoy la leyenda de Reinhardt sigue viva y raro es el guitarrista de jazz que no hace gestos reverenciales cuando oye pronunciar su nombre.

Suele contarse de él una bonita anécdota. Una noche, una rica mecenas parisina juntó a cenar en su casa a Django y a Andrés Segovia. La noche terminó con ambos tocando la guitarra. Cuando el maestro Segovia escuchó a Django se quedó perplejo y le preguntó dónde podía encontrar esa música (en referencia a las partituras). Django soltó una larga carcajada y respondió: “Sólo en mi cabeza”.

En 1999, Woody Allen le rindió un indisimulado homenaje con su película ‘Acordes y desacuerdos’.

Escuchemos un poco de esa maravillosa música de Django en los años 30 con el ‘Quintette du Hot Club de France’.

Entrevista con Pat Metheny

José Ángel González — Thu, 11 Mar 2010 13:37:00 +0000

Mi trabajo de periodista me ha permitido a lo largo de los años acercarme a un buen puñado de grandes músicos. Hace pocos días pasó por Logroño el legendario guitarrista Pat Metheny, quien amablemente accedió a concederme una entrevista que fue publicada en su momento en Diario LA RIOJA. Como casi todos los músicos de jazz con los que me he topado, Metheny tiene una peculiar manera de razonar y de ver las cosas. Me parecen especialmente interesantes sus reflexiones acerca del proceso creativo de un solo improvisado, de la naturaleza innovadora del jazz y de su futuro.

«La clave de un buen solo es tener una historia que contar»

J. A. GONZÁLEZ | LOGROÑO.

Guitarrista excelso, magnífico compositor, leyenda del jazz, maestro de la improvisación… El perfil de Pat Metheny (Missouri, 1954) es imposible de describir sin caer en epítetos grandilocuentes. Quizá para dar una dimensión aproximada de su figura recurriendo a hechos objetivos bastaría con decir que sus vitrinas acumulan 18 premios Grammy, tan solo uno menos que los que suman Michael Jackson y Madonna juntos. Llega al Riojafórum con su ‘Orchestrion’, inaugurando un nuevo concepto de actuación en solitario que se sirve de instrumentos acústicos controlados mecánicamente, ya sea mediante música programada por ordenador o utilizando su propia guitarra.

– ¿Cómo se le ocurrió la idea de este ‘Orchestrion Tour’?

– La génesis del proyecto está en el sótano de mi abuelo. El padre de mi madre era un gran músico y acumulaba allí toda clase de instrumentos. Era un trompetista fantástico, tocaba el banjo, cantaba muy bien… y entre los instrumentos de su colección tenía una de esas pianolas de finales del siglo XIX o principios del XX que eran tan populares en aquella época. Un día me enseñó cómo funcionaba, metiendo aquella especie de rodillos, y me pareció la cosa más alucinante del mundo. Yo adoraba ir a casa de mis abuelos, en Wisconsin, y me solía meter debajo de la pianola, con una linterna, intentando comprender su mecanismo… Todo aquello me marcó, se me quedó en la cabeza. Desde entonces siempre me han interesado mucho los instrumentos de ese tipo, como los ‘orchestrions’, y siempre he pensado que sería divertido trasladar a ese área mis ideas sobre la armonía y la melodía.

– Y finalmente lo ha conseguido.

– Sí. Con esa idea en la cabeza he estado trabajando en los últimos tiempos. He visitado a un buen número de inventores para poder construir esta orquesta sin músicos que ahora llevo de gira. Todos los instrumentos que ocupan el escenario están construidos por encargo para este proyecto.

-Usted solo en el escenario con todas esas máquinas…. ¿Por qué ha decidido renunciar a la interacción con otros músicos, a las cosas impredecibles que suceden cuando uno toca en el seno de un buen grupo?

– La misma pregunta podría hacérsela a, por ejemplo, un pianista que da un concierto en solitario, ¿no cree? Todas esas máquinas son mi instrumento, y me propician un millón de maneras de mantener conversaciones musicales con ellas, de lanzar preguntas y respuestas, llamadas y contestaciones, organizando todo sobre la marcha, de la manera más improvisada posible.

– Por lo que ya lleva de gira, ¿cómo ve que está reaccionando el público?

– La gente se vuelve totalmente loca. En todos los sitios se han agotado las entradas. De verdad que nunca he visto en mis conciertos reacciones del público como las que estoy teniendo en esta gira. Está siendo algo totalmente único.

– ¿Recuerda usted cómo empezó a interesarse por la música?

-Toda mi familia es muy musical. Mi hermano Mike, mi padre y mi abuelo eran todos trompetistas, y yo, cuando tenía ocho años, empecé a tocar la trompeta también.

– ¿Y qué sucedió después? ¿Por qué se pasó a la guitarra?

-Empecé a interesarme por la guitarra a los once años, más o menos, cuando me hice un fan total del jazz escuchando un disco de Miles Davis. Comencé a tocar profesionalmente a los 14 años en Kansas City, que era una ciudad con una escena jazzística muy activa por aquel entonces. Para cuando cumplí los 17 ya había pisado centenares de escenarios y era un músico bastante baqueteado para ser sólo un adolescente.

– Usted se ha forjado un estilo ciertamente único, pero ¿cuáles fueron sus primeras influencias?

– Por lo que se refiere a los guitarristas, Wes Montgomery, Kenny Burrell y Jim Hall. En general, Miles Davis, John Coltrane, Charlie Parker y Sonny Rollins.

– ¿Cómo ha cambiado su forma de tocar a lo largo del tiempo?

– Básicamente… ¡ahora toco mucho mejor! Cuando, aún muy joven, comencé a grabar discos y también a hacer grandes giras sólo había estado practicando con la guitarra unos pocos años.

– ¿Se siente a gusto con la etiqueta de músico de jazz?

– No tengo ni idea del significado de esa palabra.

– ¿Y en qué se inspira a la hora de improvisar un solo? ¿De qué manera los afronta?

– La clave de un buen solo es tener una historia que contar. Yo afronto una improvisación como un proceso narrativo con el que trato de describir a la gente mis sentimientos más profundos utilizando una sintaxis musical.

– En su exitosa trayectoria ha trabajado junto a una larga lista de enormes músicos, pero seguro que aún le queda alguna colaboración soñada pendiente de realizar.

– Le puedo asegurar con total sinceridad que he tenido la fortuna de tocar con cada uno de los músicos con los que deseaba hacerlo.

– ¿Hacia dónde va el jazz del siglo XXI?

– El jazz es una música de individualistas. Siempre habrá gente que vea las cosas de forma diferente a los demás y esas personas serán las que llevarán al jazz por una u otra dirección. Yo creo que el jazz es una forma de arte que no casa bien con la nostalgia, en el sentido de que en el fondo es imposible reconstruir el sonido y las sensaciones de cualquier etapa anterior. No sé muy bien por qué hay gente que intenta hacer esto, pero lo cierto es que algunos lo hacen. A mí eso no me interesa; yo disfruto con los músicos que andan buscando cosas nuevas.

– ¿Cuál es último disco que ha comprado?

– Mire, yo tengo tres niños y últimamente escuchamos mucho a los Beatles. Es increíble cómo esa música continúa diciendo algo a cada nueva generación y sigue resultando tan fresca.