No sé hasta qué punto mi devoción por Art Pepper nubla en este caso la ecuanimidad que creo necesaria para la elaboración de esta lista, que, aunque inevitablemente subjetiva, debería regirse por decisiones reflexivas, responsables y juiciosas. Pero, en fin, ya está hecho: el número 20 es para Art Pepper, en mi humilde opinión uno de los tres mejores saxo-altos de la historia junto a Johnny Hodges y a Charlie Parker.

De toda su discografía (que no es precisamente muy extensa por culpa sus idas y venidas de la cárcel y de clínicas de desintoxicación, de su deteriorada salud y su muerte relativamente temprana) me quedo sin dudarlo con este ‘Art Pepper + Eleven’, que creo que es una magnífica muestra del talento creativo del saxofonista y que, en mi opinión, encierra además la quintaesencia del estilo ‘West Coast’, con sus arreglos sofisticados, su implacable swing, sus improvisaciones claras y su tono distendido.

El disco fue grabado en Los Ángeles en tres sesiones entre marzo y mayo de 1959 y, como ya se explica en el título, acompañaron a Pepper en el estudio otros once músicos más (casi una big band) entre los que cabría destacar a los trompetistas Pete Candoli y Jack Sheldon, a los saxos Bud Shank y Bill Perkins, al pianista Russ Freeman o al batería Mel Lewis. Pero, aparte de todos ellos, había una pieza más, una pieza fundamental: el arreglista y director de orquesta Marty Paich, que hace aquí un trabajo extraordinario adaptando el repertorio escogido a las características de la banda y de los solistas reunidos para la ocasión. La conexión musical entre Pepper y Paich resultó asombrosa. Tanto, que el director del sello Contemporary, Les Koening, a la vista de los resultados de este disco, ideó una amplia serie de colaboraciones entre ambos músicos a la manera de lo que en la Costa Este estaban haciendo en aquella misma época el trompetista Miles Davis y el arreglista Gil Evans. Pero la inminente entrada de Art Pepper en la prisión de San Quintin para cumplir una larga condena por posesión y consumo de heroína truncó los planes.

Escuchemos uno de los 15 espléndidos temas que contiene este disco. Se titula Groovin’ High (composición de Dizzy Gillespie). La primera improvisación es del trompetista Jack Sheldon; a continuación entra Art Pepper, bordando un solo majestuoso y sobrio a la vez, visceral pero elegante.

Vuelve nuestro viejo amigo Sonny Rollins a este blog y lo hace para entrar con todos los honores en un alto puesto dentro de la lista dedicada a hacer un repaso por los discos preferidos de un servidor. Saxophone Colossus es una grabación antológica que me acompaña desde la adolescencia y que nunca me canso de escuchar. Vuelvo a ella de forma recurrente como quien vuelve una gran ciudad muy querida, por la que se siente atrapado, unido por indescifrables lazos sentimentales, y en cada visita recupera agradables sensaciones del pasado y descubre nuevos rincones y nuevas emociones. Sonny sopló esta obra maestra en Nueva York, el 22 de junio de 1956, cuando tan solo tenía 26 años. La pericia, la madurez, la fuerza mental, el sentido del ritmo y la imaginación que muestra el saxofonista a lo largo de sus solos en los cinco temas que forman el disco es sencillamente un prodigio artístico de primera magnitud.

Durante la sesión le acompañaron Tommy Flanagan al piano, Doug Watkins al contrabajo y el gran Max Roach a la batería. Siempre huyendo de la rutina y lanzándose por cualquier cauce que pudiera dar salida a su exuberante sentido musical, Sonny bordó improvisaciones memorables sobre Blue Seven (un sencillo blues al que el saxofonista le saca todo el jugo imaginable), You Don’t Know What Love is (una hermosa balada interpretada con un puntito de acidez) o sobre este St. Thomas (composición del propio Sonny Rollins que es en realidad un calipso de ritmo gozoso y pegadiza melodía, reminiscencia de las islas antillanas de las que los padres del músico eran originarios).

Hoy su carrera parece bien encaminada, respaldada por una discográfica seria y colaborando en grabaciones con músicos de la talla de Eric Alexander, Peter Bernstein o Nicholas Payton. Su estilo está orientado hacia el be-bop y el hard–bop, inspirado claramente en Parker y Cannoball Adderley, con un ligero toque de Jackie McLean, y posee una técnica y un feeling asombrosos.

Lo mismo que Pollock en la pintura, Coltrane rompió muchas de las reglas establecidas en la música e inventó nuevas formas expresivas. Por ejemplo, la forma de lanzar la pintura contra el lienzo de Pollock, de manera violenta y dinámica, creo que tendría su equivalente en las improvisaciones torrenciales y frenéticas de Coltrane, que también lanzaba al aire con furia sus famosas ‘láminas de sonido’, creando obras maestras de enorme abstracción pero también de enorme carga emocional.

La carrera artística de Pollock avanzó de forma muy similar a la de Coltrane, es decir, buscando cada vez más libertad formal y más expresividad, pues pasó de ser un admirador de Picasso a ser más tarde seducido por la escuela surrealista y terminar finalmente reivindicándose a sí mismo como un creador iconoclasta, rompedor, novedoso y, en todos los sentidos, extraordinaro.

Como en el caso de Coltrane, la existencia de Jackson Pollock fue breve (murió en 1956, a los 44 años, en un accidente de tráfico) pero muy prolífica. Ambos representan a la perfección la figura del artista totalmente entregado a su obra, de vida, por lo tanto, inevitablemente desordenada; ambos padecieron las consecuencias del alcoholismo; ambos fueron adelantados a su tiempo, creadores en el más puro sentido del término; ambos jugaron con el caos como forma de liberación; ambos, en fin, fueron vanguardistas radicales que se cuestionaron todas las estructuras predeterminadas y posibles, llevándolas a su límite, llevándolas, en último término, a su destrucción.
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