Vamos a presenciar una actuación en directo de esta fenomenal orquesta. Coincidiréis conmigo en que da gusto ver a estos chicos tocando y sintiendo el jazz de esta manera. El tema que interpretan es Splanky, uno de los ‘himnos’ de la Count Basie Orchestra. He visto a big bands profesionales en buenos festivales que no tienen ni la potencia, ni el empaque, ni el swing ni la pasión de ésta. Bravo por todos su miembros y mis sinceras muestras de reconocimiento y gratitud a Joan Chamorro.

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Eva Fernández (que tiene un feeling demoledor), Jaume Ferrer (que honra en cada solo la memoria de Ben Webster)… Todos y cada uno de los miembros de esta banda tienen ganada mi absoluta admiración, pero si tuviera que destacar a uno de ellos dirigiría el foco de atención hacia una saxofonista, trompetista y cantante de 15 años (14 cuando se grabó este vídeo) llamada Andrea Motis. Vamos a verla aquí interpretando Basin Street Blues; primero exponiendo el tema con una manera de cantar muy personal, con su timbre cristalino y sus ademanes dulces, y luego en una improvisación de saxo soprano de estructura y ejecución impecables. A su lado está Ricard Gili, el doble ibérico de Louis Armstrong, pues una de las sanas costumbres de Chamorro es invitar a los conciertos de la Sant Andreu Jazz Band a ilustres veteranos, que amablemente se brindan a intercambiar experiencias con los chavales. En fin, que todo esto que está pasando en Sant Andreu es una cosa maravillosa.

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La escena que he elegido está protagonizada por el cantante y director de orquesta Cab Calloway, quien tuvo una sensacional big band entre los años 30 y 40 por la que llegaron a pasar, por ejemplo, Dizzy Gillespie, Ben Webster, Doc Cheatham o Chu Berry. Aquí interpretan una composición suya, Jumpin Jive, con la que la orquesta da buena muestra de su poderío, Calloway se despacha a gusto en una de esas inclasificables intervenciones vocales suyas y saltan a escena los increíbles Nicholas Brothers, posiblemente los más grandes bailarines de tap-dancing de su época. A disfrutar:
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Gracias a YouTube hoy podemos ir directamente a lo que a nosotros nos interesa, que son esos dos minutitos en los que una jovencísima Ella Fitzgerald (25 años entonces) canta el que fue su primer gran éxito, A-Tisket A-Tasket, una cancioncilla simple, pegadiza, a la que La Primera Dama del Jazz le saca todo el partido posible. Ella aún no estaba en su mejor momento artístico, pero qué swing, qué musicalidad, qué voz y qué forma de interpretar la suya, con esa alegría tan contagiosa, con esa pureza…
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La foto en cuestión es obra de William Paul Gottlieb (Nueva York, 1917 – 2006), reportero gráfico de la sección de jazz del Washington Post durante los años 40 y 50. No tiene la finura estética o formal de otras imágenes que han pasado hasta ahora por esta sección, pero es sin duda una instantánea extraordinaria. La muchacha rubia de la izquierda es una por entonces jovencísima June Christy (la foto fue tomada en 1947, luego tenía 22 años), vocalista recién contratada por la orquesta de Stan Kenton. Está sentada tranquilamente en una silla, conversando con el público justo antes de que la banda comience su actuación en un salón de baile de una capital cualquiera de Norteamérica. Las caras de las tres personas de la derecha no tienen desperdicio. La chica de la esquina mira a Christy con un tímido gesto de admiración, no sé si más por lo que le gusta de ella como mujer o como cantante; el zangolotino del chico, ya lo hemos dicho, está en estado hipnótico, fascinado, embrujado; y la joven de su derecha (¿su novia?) le mira de soslayo con recelo y pensativa, tal vez preguntándose cómo demonios puede ella competir con la hermosa cantante de una de las big bands más exitosas del momento, con la sensación rubia del jazz, ‘The Misty Miss Christy’.

Y ahora, por si alguien no ha escuchado nunca a June Christy (cosa lamentablemente muy habitual hasta en buenos aficionados al jazz) aquí tenéis este video de 1950 donde la cantante interpreta Taking a Chance On Love con el quinteto del acordeonista Ernie Filice. Christy no está aún en el punto cumbre de su carrera ni acompañada de los músicos más adecuados a su talento, pero es una de las pocas imágenes suyas grabadas que hay por ahí. Podemos apreciar no obstante destellos de su sensacional sentido del swing, de su personal timbre de voz, de su a veces extraña afinación, de su entusiasmo por la música y de un encanto especial, indefinible, que William Paul Gottlieb logró de alguna manera captar en la imágen que ha quedado puesta ahí arriba.
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A mí me encantan estas comedias clásicas americanas, donde la historia está calculada al milímetro, rodadas con una sobriedad refinada, interpretadas por mitos a los que uno le gustaría parecerse, donde las cosas discurren con esa perfección, esa lógica, esa soltura, esa placidez que le falta a la vida. Bola de Fuego narra la historia de un estudioso del lenguaje que, junto a otros sabios, participa en la elaboración de una especie de enciclopedia. Cuando sale de las paredes de su cátedra para explorar los últimos vocablos, las últimas jergas del lenguaje, se ve sumergido en un submundo (¿o quizá es el mundo real?) de coristas, cabareteras, mafiosos y vividores y… (ya no cuento más). Pero, bueno, a lo que vamos. Si esta película está aquí es porque tiene un punto de interés más que evidente para los amantes del jazz. En ella participan el batería Gene Krupa y los músicos de su orquesta que, como veréis en la escena de aquí abajo, formaban una big band extraordinaria en aquel momento.

En esta escena a la que me refiero Krupa toca la batería con ese swing infalible que dios le dio, con esa técnica descomunal y también con ese afán exhibicionista que a mí es lo que menos me gusta…, pero es en cualquier caso un músico sobresaliente. La cantante de la orquesta es en esta ocasión la actriz protagonista de la cinta, Barbara Stanwyck, que lo hace bastante bien aunque es cierto que la melodía es simple y no le pone en demasiados aprietos. Me estoy enrollando demasiado. Vamos ya a disfrutar con la Gene Krupa Big Band. Y ojo, no os perdáis el final.
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Como pequeña muestra de este enorme disco escuchemos Splanky, composición de Neal Hefti, con unos arreglos soberbios y un bonito solo de saxo tenor de Frank Foster:
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Django Reinhardt (1910-1953) llegó al mundo en Bélgica aunque pasó la mayor parte de su vida afincado en París. Se crió en el seno de una familia gitana que se ganaba la vida de forma nómada presentando por los pueblos un espectáculo con una cabra y un oso como artistas principales, a quienes acompañaban el cabeza de familia a la trompeta y el jovencito Django al banjo. Cuando tenía 18 años ocurrió un suceso que marcaría su vida: el carromato en el que vivía se incendió y Django resultó gravemente herido. El fuego le dejó como secuela, entre otras cosas, la atrofia permanente de dos dedos de su mano izquierda. Mientras se recuperaba en el hospital, uno de sus hermanos le regaló una guitarra y le animó a que su minusvalía no hiciera mella en él. Y así fue. Reinhardt, analfabeto, incapaz de leer una sola nota en una partitura y con sólo tres dedos útiles en su mano izquierda acabaría convirtiéndose en uno de los mejores músicos del siglo XX y en una influencia siempre admitida por multitud de guitarristas modernos.

El año 1931 fue otra de las fechas clave en su biografía. Tras haber estado unos años ganándose la vida como músico en París (trasladando a su instrumento aquellos extraños sonidos de un estilo llamado jazz que venía del otro lado del Atlántico) coincidió en una de sus actuaciones con el violinista francés Stephane Grapelli, con quien de inmediato estableció una química musical fuera de lo normal. Ambos crearon el legendario ‘Quintette du Hot Club de France’, un grupo formado exclusivamente por instrumentos de cuerda (contrabajo, tres guitarras y violín) que contribuyó como ningún otro a extender el jazz por Europa y animó tantas y tantas noches en el feliz París de entreguerras.

La ocupación nazi de Francia pilló a Grapelli de gira por Inglaterra y allí se quedó durante unos cuantos años. Mientras, Django se convirtió en uno de los puntales de la Resistencia y a punto estuvo varias veces de ser capturado y enviado a los campos de concentración como tantas otras personas de su raza. Tras la liberación de París, Django consolidó su prestigio de guitarrista excepcional tocando con muchos de los músicos norteamericanos que pasaron por la capital francesa en esa época. Su fama de guitarrista virtuoso, de acompañante con swing infalible y de solista increiblemente imaginativo, llegó hasta oídos de Duke Ellington, que le invitó a viajar a Estados Unidos y a unirse a su banda durante un tiempo.

Juerguista impenitente, bebedor, jugador, noctámbulo y mujeriego, el cuerpo de Django Reinhardt no pudo seguirle el ritmo y se plantó un 6 de mayo de 1953 en Fontainebleau, cuando el guitarrista apenas contaba con 43 años. Hoy la leyenda de Reinhardt sigue viva y raro es el guitarrista de jazz que no hace gestos reverenciales cuando oye pronunciar su nombre.

Suele contarse de él una bonita anécdota. Una noche, una rica mecenas parisina juntó a cenar en su casa a Django y a Andrés Segovia. La noche terminó con ambos tocando la guitarra. Cuando el maestro Segovia escuchó a Django se quedó perplejo y le preguntó dónde podía encontrar esa música (en referencia a las partituras). Django soltó una larga carcajada y respondió: “Sólo en mi cabeza”.